Em busca de um cinema "moderno"

Rodrigo Santoro como Jesus em "Ben Hur" (2016), de Timur Bekmambetov

Hoje em dia, a maior parte dos profissionais que trabalham em cinema anseiam em ser, ou pelo menos parecer, modernos e atualizados. Até mesmo aqueles envolvidos em projetos históricos, ou de época. Esse é o caso, por exemplo, de “Ben Hur” – essa refilmagem do clássico “hollywoodiano” que ganhou 11 oscars em 1959.

Talvez para criar uma impressão de modernidade, convocou-se o diretor russo Timur Bekmambetov. Aquele que cometeu barbaridades como “Abraham Lincoln: Caçador de Vampiros”, em 2012. Closes e câmara na mão em demasia, além de imagens tremidas e imprecisas não combinam com filmes de época. Que o diga Woody Allen que convidou o estilista Vittorio Storaro para fotografar “Café Society”. A não ser que a indefinição na imagem tenha o objetivo de mascarar a pobreza da produção, especialmente no quesito cenografia. Para isso, basta comparar com a versão de 1959 de Ben Hur, nas cenas de ação, como a batalha naval e a corrida de quadrigas.

Modernidade de fato é possível encontrar na frenética movimentação de “Nerve - Um Jogo Sem Regras” –filme que trata do aqui e agora, tanto em termos de temática quanto de estilo. No fundo é apenas uma aventura de ficção científica e suspense que gira em torno de um jogo de internet desenvolvido para os celulares, no mesmo ritmo em que esse aplicativo acontece. Os participantes se dividem em “observadores” e “jogadores”, ou seja, entre os que jogam, aceitando desafios dos mais variados, e os que observam, sugerindo e propondo as apostas. E isso tudo online, dando a nós a possibilidade de acompanhar toda a ação pelos celulares dos participantes. 

Dave Franco e Emma Roberts estrelam o frenético "Nerve"

O enredo é assustadoramente atual, porque mostra uma realidade que pode acontecer agora, ou num futuro muito próximo. É dirigido por Ariel Schulman e Henry Joost – realizadores que faziam dramas de horror, como por exemplo “Atividade Paranormal”. É estrelado pelos novatos Emma Roberts e Dave Franco. Mas a grande estrela de “Nerve” é a linguagem cinematográfica adotada, que incorpora, sem hesitar, elementos gráficos da internet, com a mesma rapidez e criatividade da própria rede. 

Em “Nerve - Um Jogo Sem Regras” ás vezes as piadas e as gags visuais se sucedem tão rapidamente que nós, observadores do filme, temos certa dificuldade em acompanhar. O que vale como um convite para ver o filme novamente.

Como está em cartaz Aquarius, revisitamos O Som ao Redor, filme anterior de Kleber M. Filho

A personagem de Irma Brown é confrontada pelos prédios e condomínios de Recife

Hoje vamos comentar o filme “O Som ao Redor”, exibido pela primeira vez entre nós em janeiro de 2013. É possível que essa revisão nos ajude a ver melhor “Aquarius”, a obra atual de Kleber Mendonça Filho que se acha em cartaz. 

Houve época em que os filmes brasileiros se dividiam em duas categorias: urbanos e rurais. De modo geral, aqueles ambientados no campo concentravam-se nas questões sociais, enquanto os situados em cidades privilegiavam os temas de cunho psicológico ou existencial. Essa fronteira, entretanto, vem sendo questionada pelo cinema pernambucano.Concretamente, na história do país, litoral e sertão representam duas faces da mesma moeda – inseparáveis em qualquer tentativa de compreender a nossa realidade.

Em “O Som ao Redor”, tudo acontece numa rua de Recife, onde os condomínios vêm tomando o lugar das casas. A cena se inicia num play-ground de prédio, enquanto a câmera passa para uma rua deserta. De repente, dois automóveis se chocam na esquina. Ou seja, o filme acontece num mundo em que as crianças vivem presas nos pátios dos edifícios.

O ator Gustavo Jham em cena do filme

Ao redor do quê esse som do título se manifesta? A resposta vem com o arrepio provocado pela chave de um vigia riscando a pintura do automóvel cujo dono lhe pagara para proteger. Com vemos, os ruídos não se resumem a acompanhar as falas e os gestos. Eles funcionam como as vozes dos objetos. Esse é o caso da máquina de lavar e do aspirador, com os quais uma das personagens costuma se relacionar fisicamente.

Por sua vez, os diálogos adquirem baixa definição. As pessoas quase sempre falam baixo, sem impostação e nem brilho. Isso, entretanto, não se aplica a dois personagens cujo discurso reproduz a aspereza do relacionamento arquetípico entre um coronel e seu jagunço. A partir desse antagonismo, o filme se desloca no tempo e no espaço, passando a trabalhar com elementos míticos da cultura brasileira. Um deles é o proprietário da maior parte dos imóveis da rua, enquanto o outro interpreta o chefe de uma firma de segurança que chega para tomar conta do lugar. Por meio dessas figuras tão comuns nas cidades modernas, até a derradeira cena do filme, aquele bairro praiano de Recife terá se transformado na sucursal de um antigo engenho sertanejo. Vale mesmo a pena ver e rever “O Som ao Redor”.

De "Nanook" a "Francofonia" o documentário é marcado pela flexibilidade de sua feitura

"Um Homem com uma Câmera", documentário do soviético Dziga Vertov

Um dos elementos mais fascinantes do cinema documentário é a infindável flexibilidade que caracteriza a sua feitura. Dentro desse gênero se enquadra uma grande variedade de estilos, pontos de vista e linhas de trabalho. Tudo começou nos anos de 1920, quando a situação política mostrou a necessidade de atribuir uma carga maior de informação e de propostas éticas e ideológicas para os filmes que se produziam. Por diversos motivos, tanto a União Soviética e a Alemanha de Hitler quanto os países de governos liberais e democráticos sentiram a necessidade aproximar o cinema ao mundo do conhecimento. 

Nos Estados Unidos, geógrafos e exploradores como Robert Flaherty deram inicio a estudos e projetos que resultaram no primeiro filme de longa metragem enquadrado naquele novo gênero. Este foi batizado de documentário pelo inglês John Grierson, num artigo que ele publicou no jornal New York Sun. E o filme foi “Nanook o Esquimó” feito em 1922 – uma peça de antropologia visual, descrevendo o modo de vida dos habitantes do polo. 

Com a proximidade da 2ª Guerra, a Inglaterra decidiu criar um organismo público destinado a ampliar as noções de cidadania por meio do cinema. John Grierson foi chamado para comandar um projeto voltado para o que ele chamava de “tratamento criativo das atualidades” – sendo que o termo atualidades queria dizer o que no Brasil de chamava de “cine-jornal”. Em outras palavras, tratava-se de transmitir informação de um modo criativo, ou seja, com o apoio da música, de uma fotografia artística, de um texto atraente e de uma montagem que trouxesse dinamismo às imagens.

E assim criou-se uma equipe de comunicadores da qual fazia parte o brasileiro Alberto Cavalcanti. Na União Soviética manifestou-se uma tradição liderada por Dziga Vertov, como mais tarde, na França, tivemos a colaboração de Jean Rouch. E agora chegamos ao ápice dessa evolução, com o trabalho do russo Aleksander Sokurov, que já mostrou o seu talento para esse tipo de filme, que ele sempre integrou à ficção. Depois do magnifico documentário “A Arca Russa” que ele fez em 2002 sobre o Museu Hermitage em São Petersburg, ele lança agora uma obra prima sobre o Louvre, tal como foi ocupado pelos nazistas na 2ª Guerra, chamada “Francofonia”. Inclusive com a presença do próprio Napoleão como visitante.

Mas é possível acrescentar ficção aos documentários? Sim, é possível incluir até animação porque, segundo os teóricos, o que caracteriza os filmes desse gênero é o fato de emitir asserções, ou seja, conceitos dados e afirmações, sobre o mundo real. E não apenas construir um universo paralelo por meio da ficção. 

Cena do filme "Francofonia", dirigido por Sokurov

Lançado no Festival de Gramado 2016 o livro "100 Melhores Filmes Brasileiros"

Capa do livro "100 Melhores Filmes Brasileiros"

Quantos críticos de cinema existem em atividade neste país? Houve época em que esse número se contava nos dedos de uma única mão. Um desses pioneiros era o poeta Guilherme de Almeida, cujos artigos publicados no jornal “O Estado de São Paulo”, entre 1927 e 1942, por exemplo, foram reunidos agora numa antologia de quase 700 páginas. Mas muito em breve, porem, chegará a São Paulo o trabalho de 100 especialistas, reunido numa mesma publicação.

Glauber Rocha dirigindo cena de "Deus e o Diabo na Terra do Sol"

A Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) possui atualmente 100 associados espalhados por quase todos estados do Brasil. E eles decidiram escolher os “100 Melhores Filmes Brasileiros” de todos os tempos. Inicialmente, eles realizaram uma votação democrática para decidir quais são esses títulos. Em seguida cada um desses jornalistas, sem distinção de período, gênero ou metragem, escolheu um filme para escrever uma análise crítica. E o resultado foi uma publicação fartamente ilustrada, produzida em formato de livro de arte e redigida em conjunto por esses que são alguns dos mais atuantes estudiosos de cinema de todo o país.

Essa obra acaba de ser lançada oficialmente no Festival de Gramado pela Editora Letramento e logo estará nas livrarias de todo o Brasil. A publicação reúne textos dos mais atuantes críticos e pesquisadores de cinema em atividade, sobre os filmes que mais se destacaram na história de nossa cinematografia. São, portanto, 100 autores, entre associados daquela entidade (criada em 2011)com o apoio de alguns convidados. Eles buscaram um viés ensaístico, resultando em análises que certamente se tornarão referência no estudo dos filmes selecionados. 

Cena de "Limite", dirigido por Mário Peixoto

O arco é bastante amplo e parte do filme “Limite”, a mais antiga produção presente na lista, lançada em 1931 com direção de Mario Peixoto e analisada por Enéas de Souza. E chega até a produções recentes, como “Que Horas Ela Volta?”, de Anna Muylaert, aqui analisado por Adriana Androvandi.

A escolha dos filmes teve como base uma votação promovida pela Abraccine no ano passado e divulgada em novembro último. É a primeira vez que uma publicação desse tipo inclui curtas-metragens. Nessa seleção, os curtas são representados por obras como “Di”, de Glauber Rocha, e “Ilha das Flores”, de Jorge Furtado, com textos de Amanda Aouad e André Dib, respectivamente. Brevemente teremos nas livrarias os “100 Melhores Filmes Brasileiros” de todos os tempos.


Abaixo, o ranking eleito pela Abraccine:

1. Limite (1931), de Mario Peixoto
2. Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), de Glauber Rocha
3. Vidas Secas (1963), de Nelson Pereira dos Santos
4. Cabra Marcado para Morrer (1984), de Eduardo Coutinho
5. Terra em Transe (1967), de Glauber Rocha
6. O Bandido da Luz Vermelha (1968), de Rogério Sganzerla
7. São Paulo S/A (1965), de Luís Sérgio Person
8. Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles
9. O Pagador de Promessas (1962), de Anselmo Duarte
10. Macunaíma (1969), de Joaquim Pedro de Andrade
11. Central do Brasil (1998), de Walter Salles
12. Pixote, a Lei do Mais Fraco (1981), de Hector Babenco
13. Ilha das Flores (1989), de Jorge Furtado
14. Eles Não Usam Black-Tie (1981), de Leon Hirszman
15. O Som ao Redor (2012), de Kleber Mendonça Filho
16. Lavoura Arcaica (2001), de Luiz Fernando Carvalho
17. Jogo de Cena (2007), de Eduardo Coutinho
18. Bye Bye, Brasil (1979), de Carlos Diegues
19. Assalto ao Trem Pagador (1962), de Roberto Farias
20. São Bernardo (1974), de Leon Hirszman
21. Iracema, uma Transa Amazônica (1975), de Jorge Bodansky e Orlando Senna
22. Noite Vazia (1964), de Walter Hugo Khouri
23. Os Fuzis (1964), de Ruy Guerra
24. Ganga Bruta (1933), de Humberto Mauro
25. Bang Bang (1971), de Andrea Tonacci
26. A Hora e a Vez de Augusto Matraga (1968), de Roberto Santos
27. Rio, 40 Graus (1955), de Nelson Pereira dos Santos
28. Edifício Master (2002), de Eduardo Coutinho
29. Memórias do Cárcere (1984), de Nelson Pereira dos Santos
30. Tropa de Elite (2007), de José Padilha
31. O Padre e a Moça (1965), de Joaquim Pedro de Andrade
32. Serras da Desordem (2006), de Andrea Tonacci
33. Santiago (2007), de João Moreira Salles
34. O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro (1969), de Glauber Rocha
35. Tropa de Elite 2 – O Inimigo Agora é Outro (2010), de José Padilha
36. O Invasor (2002), de Beto Brant
37. Todas as Mulheres do Mundo (1967), de Domingos Oliveira
38. Matou a Família e Foi ao Cinema (1969), de Julio Bressane
39. Dona Flor e Seus Dois Maridos (1976), de Bruno Barreto
40. Os Cafajestes (1962), de Ruy Guerra
41. O Homem do Sputnik (1959), de Carlos Manga
42. A Hora da Estrela (1985), de Suzana Amaral
43. Sem Essa Aranha (1970), de Rogério Sganzerla
44. SuperOutro (1989), de Edgard Navarro
45. Filme Demência (1986), de Carlos Reichenbach
46. À Meia-Noite Levarei Sua Alma (1964), de José Mojica Marins
47. Terra Estrangeira (1996), de Walter Salles e Daniela Thomas
48. A Mulher de Todos (1969), de Rogério Sganzerla
49. Rio, Zona Norte (1957), de Nelson Pereira dos Santos
50. Alma Corsária (1993), de Carlos Reichenbach
51. A Margem (1967), de Ozualdo Candeias
52. Toda Nudez Será Castigada (1973), de Arnaldo Jabor
53. Madame Satã (2000), de Karim Ainouz
54. A Falecida (1965), de Leon Hirzman
55. O Despertar da Besta – Ritual dos Sádicos (1969), de José Mojica Marins
56. Tudo Bem (1978), de Arnaldo Jabor (1978)
57. A Idade da Terra (1980), de Glauber Rocha
58. Abril Despedaçado (2001), de Walter Salles
59. O Grande Momento (1958), de Roberto Santos
60. O Lobo Atrás da Porta (2014), de Fernando Coimbra
61. O Beijo da Mulher-Aranha (1985), de Hector Babenco
62. O Homem que Virou Suco (1980), de João Batista de Andrade
63. O Auto da Compadecida (1999), de Guel Arraes
64. O Cangaceiro (1953), de Lima Barreto
65. A Lira do Delírio (1978), de Walter Lima Junior
66. O Caso dos Irmãos Naves (1967), de Luís Sérgio Person
67. Ônibus 174 (2002), de José Padilha
68. O Anjo Nasceu (1969), de Julio Bressane
69. Meu Nome é… Tonho (1969), de Ozualdo Candeias
70. O Céu de Suely (2006), de Karim Ainouz
71. Que Horas Ela Volta? (2015), de Anna Muylaert
72. Bicho de Sete Cabeças (2001), de Laís Bondanzky
73. Tatuagem (2013), de Hilton Lacerda
74. Estômago (2010), de Marcos Jorge
75. Cinema, Aspirinas e Urubus (2005), de Marcelo Gomes
76. Baile Perfumado (1997), de Paulo Caldas e Lírio Ferreira
77. Pra Frente, Brasil (1982), de Roberto Farias
78. Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia (1976), de Hector Babenco
79. O Viajante (1999), de Paulo Cezar Saraceni
80. Anjos do Arrabalde (1987), de Carlos Reichenbach
81. Mar de Rosas (1977), de Ana Carolina
82. O País de São Saruê (1971), de Vladimir Carvalho
83. A Marvada Carne (1985), de André Klotzel
84. Sargento Getúlio (1983), de Hermano Penna
85. Inocência (1983), de Walter Lima Jr.
86. Amarelo Manga (2002), de Cláudio Assis
87. Os Saltimbancos Trapalhões (1981), de J.B. Tanko
88. Di (1977), de Glauber Rocha
89. Os Inconfidentes (1972), de Joaquim Pedro de Andrade
90. Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver (1966), de José Mojica Marins
91. Cabaret Mineiro (1980), de Carlos Alberto Prates Correia
92. Chuvas de Verão (1977), de Carlos Diegues
93. Dois Córregos (1999), de Carlos Reichenbach
94. Aruanda (1960), de Linduarte Noronha
95. Carandiru (2003), de Hector Babenco
96. Blá Blá Blá (1968), de Andrea Tonacci
97. O Signo do Caos (2003), de Rogério Sganzerla
98. O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias (2006), de Cao Hamburger
99. Meteorango Kid, Herói Intergaláctico (1969), de Andre Luis Oliveira
100. Guerra Conjugal (1975), de Joaquim Pedro de Andrade (*)
101. Bar Esperança, o Último que Fecha (1983), de Hugo Carvana (*)

(*) Empatados na última colocação, com o mesmo número de pontos.

Ben-Hur e suas três gerações de adaptações cinematográficas

A icônica cena da corrida de quadrigas na adaptação de 2016

Como o filme do momento em nosso mercado ainda é o bíblico Ben-Hur, regressamos um pouco ao tempo em que Cecil B. DeMille ainda era considerado o latifundiário da Bíblia. Desde a 1ª década do século ele vinha fazendo vários épicos históricos de linha religiosa, dos quais o tipo ideal seria “Os 10 Mandamentos”, que teve duas versões por parte dele: a 1ª em 1923 e outra em 1956. Além destas, “Ben Hur” também teve outra adaptação: a de 1925, dirigida por Fred Niblo.

Esta só chegou ao Brasil em 1927 e ficamos sabendo dela, por meio de uma crítica assinada pelo poeta Guilherme de Almeida no jornal O Estado de São Paulo. Naquele tempo, os filmes demoravam no mínimo dois anos para chegar à nossa Cinelândia, depois de terem sido lançados na matriz. Guilherme de Almeida elogiou muito a tradução do livro criado pelo escritor e general Lew Wallace. O crítico costumava considerar a adaptação para o cinema como um “ato de tradução”. A propósito, a de Ben Hur foi considerada por ele um filme muito melhor, do que aquele que foi “Os 10 Mandamentos” de Cecil B De Mille.

 

Para o nosso crítico e também apelidado de “príncipe dos poetas”, um dos pontos mais dignos de elogio foi o fato da figura de Jesus Cristo não ter sido mostrada por inteiro, como aconteceu nesta produção de 2016, no papel de Rodrigo Santoro. Se ainda estivesse entre nós, é possível que Guilherme de Almeida continuasse preferindo a imagem do Cristo, apenas insinuada, à sua empenhada caracterização por parte de Rodrigo Santoro.

De modo geral, a encenação atual do diretor russo Timur Bekmambetov se mostra satisfatória, sem os exageros arquitetônicos de alguns recentes blockbusters de época. Ainda que aquele cineasta abuse um pouco da câmara na mão. Isso porque esse recurso combina mais com uma cena urbana e atual do que com uma filmagem ambientada na época de Cristo.

As passagens mais simbólicas e empolgantes, assim como era desde os anos de 1925, continuam sendo a cena das galeras romanas – onde o herói esteve preso – e a corrida de quadrigas, em que ele competia com seu inimigo Messala. Para a análise de Ben-Hur, fica o emprego dessa obra tão importante para a história do cinema e da sua atividade crítica que é a antologia dos artigos de Guilherme de Almeida publicados entre 1926 e 1942 no jornal O Estado de São Paulo. 

Os cartazes das "três gerações" de Ben-Hur, da direita à esquerda: 1925, 1959 e 2016

Thomas Vinterberg faz estudo sobre os relacionamentos humanos em A Comunidade

Elenco do longa dirigido pelo dinamarquês Thomas Vinterberg

Atualmente entre nós quando alguém se refere a uma “comunidade”, costuma-se pensar numa favela, que agora se destaca pelo componente mais social do que urbanístico desse tipo de aglomeração urbana. Mas esse é o título de um filme dinamarquês de Thomas Vinterberg, que fala de intelectuais e professores universitários resolvidos a viver juntos numa única casa: A Comunidade. 

A história se passa em 1970, na Dinamarca, em que os personagens centrais em nada se parecem com os hippies, que abraçaram essa opção social nos EUA e aqui no Brasil. aqui no Brasil. Para enfatizar os elementos psíquicos deste drama, o diretor Tomas Vinterberg preferiu criar personagens dos mais comuns. Nada de drogas, bebedeiras e outras excentricidades. Fora o fato do dono da casa, um sisudo professor de arquitetura, um dia arranjar uma namorada 30 anos mais moça e trazê-la para morar na casa, junto com a mulher e o filho.

O inesperado é que a esposa aceita conviver com a moça,como se fosse o acontecimento mais natural do mundo. Só que, com o passar do tempo, as coisas se complicam. E o principal interesse do diretor é justamente realizar um estudo sobre as possibilidades inovadoras – de um lado – e a conservação dos comportamentos socialmente consagrados – de outro. O cineasta TomasVinterberg foi um dos fundadores do movimento do Dogma95, em meados da década de 1990. E o protagonista de A Comunidade é justamente o habilidoso Ulrich Thomsen, que atuou em “Festa de Família” (1998), filme considerado aquele que inaugurou o movimento Dogma95 e que, no fundo, enfatizava o naturalismo dos enredos.

Todos os intérpretes, porem, mostram muita competência, num elenco bastante equilibrado. Eles formam um grupo de amigos que se lançam numa experiência de viver juntos numa mesma casa. Mas o amor, a tolerância e aceitação das diferenças, que deveriam ser os principais elos de união entre eles, acabam se revelando as principais dificuldades para a sobrevivência daquela comunidade idealizada em A Comunidade. 

Ulrich Thomsen (esquerda) e Trine Dyrholm (direita) estrelam o longa

Os filmes lançados no circuito comercial de SP na semana iniciada em 01 09 2016

Sônia Braga é "Clara" no pernambucano "Aquarius", de Kleber M. Filho

Esta é uma semana que merece a qualificação de equilibrada, em termos de lançamentos nos cinemas. Temos apenas cinco estreias: a comedia brasileira de sempre, ou quase sempre, o filme de horror regulamentar, um blockbuster que sonha em ser promovido a filme clássico, uma obra que se candidata a cult-movie internacional. E, finalmente, uma produção brasileira de 1ª linha...

Aquarius tem qualidades para concorrer ao Oscar, mas se acha enroscado numa desavença política que envolve as autoridades federais do cinema. Provavelmente por causa do protesto que a equipe comandada pelo diretor Kleber Mendonça Filho realizou em sua pré-estreia no último Festival de Cannes.

Este título representa mais um degrau na excelência que a cinematografia de Pernambuco vem demonstrando em sua trajetória. Sonia Braga é protagonista absoluta neste espetáculo, engajado e crítico, no qual ela figura em todas as cenas do roteiro. Mais uma vez, o tema central é a voracidade da especulação imobiliária na cidade de Recife que, aliás, tem se revelado como o assunto mais frequente no moderno cinema pernambucano. Só que desta vez, se nota uma pitada de estratégia hollywoodiana na narrativa, porque ela se mostra totalmente centrada no heroísmo individual. Mas isso não desmerece a sua inegável qualidade.

Thomas Vinterberg, de "A Caça" e "Festa de Família", dirige "A Comunidade"

Da gélida Dinamarca vem A Comunidade, filme ambientado na década de 1970, mas que tem alguma coisa a ver com o movimento do Dogma95,do qual o seu diretor Thomas Vinterberg foi um dos fundadores, em meados da década de 1990. O protagonista é Ulrich Thomsen, de “Festa de Família” (1998).Mas todos os intérpretes mostram muita competência, num elenco bem equilibrado.

Eles formam um grupo de amigos que se lançam numa experiência de viver juntos numa mesma casa. Mas o amor, que deveria ser o principal elo de união entre eles, acaba se mostrando a principal dificuldade.

Star Trek: Sem Fronteiras é a mais recente tentativa de manter viva a tradição da nave Enterprise que navega pelo espaço sideral e televisivo desde a década de 1960. Agora com direção do chinês Justin Lin, o grupo se sustenta com os descendentes da equipe original, em que ainda se destacam o capitão Kirk, e o senhor Spock. Os efeitos especiais são os atrativos mais importantes.No entanto o filme como um todo não consegue evitar o sabor de prato requentado.

Com a direção da criativa e habilidosa Julia Rezende, que no ano passado nos apresentou o encantador “Ponte Aérea”, temos Um Namorado Para Minha Mulher.A historia não é tão sofisticada e elegante quanto foi aqueladessefilme anterior, mas o elenco é mais carimbado. Ou seja, é composto por nomes mais conhecidos por quem acompanha os programas de TV. Ou seja,os galãs Caco Ciocler e Domingos Montagner, contracenando com essa princesa das comédias nacionais que é Ingrid Guimarães. 

O enredo cabe inteiro dentro do título: isto é, cansado do casamento, mas sem coragem para pedir o divórcio, o marido tem a infeliz ideia de contratar um sedutor profissional para conquistar a própria esposa.

O Sono da Morte é o título de horror da semana. Após a morte do filho pequeno um casal tem uma ideia infeliz. Ou seja, adota um garoto com a mesma idade do filho falecido. Tudo bem, mas os sonhos do menino apresentam o péssimo hábito de se transformar em realidade. É dirigido por Mike Flanagan, que já foi premiado em vários festivais – todos especializados em títulos de terror e fantasia.