cinema falado

"Ilha do Medo" é um trabalho de Scorcese e DiCaprio, ambos em plena forma

2010-03-13T12:16:00.000-08:00

Disfarçado de simples filme de suspense, chega aos cinemas, “Ilha do Medo” (Shutter Island) a última criação de Martin Scorcese, com Leonardo DiCaprio como protagonista. Trata-se da mais apaixonante especulação sobre a violência, dentre as tantas que o autor de “Taxi Driver” (1976) vem nos oferecendo ao longo da carreira. Aos 68 anos, ele amadureceu o suficiente para visar à diversão do público e, ao mesmo tempo, colocar em pauta sua postura crítica em relação ao mundo atual.

O filme se passa em 1954, tempo em que nos EUA se caçavam idéias esquerdistas, como fazemos aqui com o mosquito da dengue. DiCaprio é um agente federal que vai investigar o desaparecimento de uma interna num manicômio judiciário. Nesse processo, entretanto, o personagem vai se fragmentando, e reaviva dolorosas lembranças − da sua vida particular e da experiência como um dos soldados americanos que arrombaram os portões de Dachau, onde os nazistas eliminavam em massa seus inimigos. Aqui se promove a inevitável comparação entre o macartismo e o nazismo, entre o campo alemão de extermínio e os hospícios prisionais.

O poder dessa metáfora, porém, vai crescendo ao longo do filme e nos conduz para além dos fatos históricos, a uma instância em que se depara com a repressão e a guerra como meros exemplos da incapacidade humana para enfrentar o medo. E então nos lembramos das guerras de ocupação, de Guantânamo, do terrorismo, da tortura e de toda a desumanidade que assistimos ao nosso redor. Nessa primeira fase de “Ilha do Medo”, há um traço de teatralidade na encenação, enfatizada pela música gritante e pelo excessivo nervosismo de algumas situações.

Aos poucos se percebe que esse artificialismo é proposital, o detetive vai passando de perseguidor a perseguido e o roteiro se transfigura. A tal ponto, que o filme passa a desenvolver duas narrativas diferentes ao mesmo tempo: uma delas desenhada por ele e a outra pelos demais personagens. Essa duplicidade se mantém até o final, quando o espectador é levado a escolher uma dessas opções. Ou ficar com ambas, porque elas conduzem à mesma reflexão sobre a violência, como a mais inútil e desastrosa das soluções para os problemas humanos.

ILHA DO MEDO
Shutter Island
estreia 12 03 2010
gênero policial / suspense / história
Distribuição Paramount
Direção Martin Scorcese
Com Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kigsley

Em "Aproximação" de Amos Gitai, dramas familiares e políticos no oriente médio

2010-03-11T11:48:00.000-08:00

Amos Gitai abre seu novo trabalho "Aproximação" com uma longa cena filmada num trem em movimento. Dura 15 minutos e é quase um curta metragem independente dentro do filme, porque mostra uma pequena história envolvendo dois personagens que não se encontram mais daí para frente. Ele é Liron Levo, ator judeu praticamente desconhecido no mundo ocidental e ela é a diva palestina Hiam Abbas de “Lemmon Tree”, que ilumina com a personalidade que a caracteriza aquela que é a melhor parte de "Aproximação”. Aqui o inegável talento do diretor para encenar situações únicas fica ofuscado pela sua desmedida pretensão, disfarçada de ousadia, ao desprezar princípios básicos de corte e duração de planos já internalizados na montagem cinematográfica de modo geral. Desde D. W. Griffith (1875-1948), a linguagem do cinema vem se desfazendo da redundância e evitando o desnecessário ou o abusivo na narrativa.

Chegando ao final, há um abraço entre dois personagens, quase tão interminável quanto o choro de Natalie Portman na abertura de “Free Zone”. Outros exemplos penosos são as inúteis e demoradas cenas de treinamento militar (na mesma linha “Tropa de Elite”) e o excessivamente prolongado canto de Barbra Hendricks. Juliete Binoche também padece com essa mania de super-exposição, em certos momentos em que a sua personagem fala demais para dizer pouco ou nada. Mas, felizmente para ela, a personagem de Jeanne Moreau tem uma participação rápida e decisiva. O próprio lado supostamente documental do filme, ou seja, a reconstituição de uma ação militar de 2005 em que o exército de Israel expulsou colonos judeus de uma área ocupada indevidamente parece exagerado e pouco plausível – principalmente agora que o governo daquele país autoriza o estabelecimento de novas colônias em território palestino. Há em "Aproximação" um paroxismo de autocomiseração que parece ter sido instaurado para condenar aqueles judeus europeus que permanecem alheios aos problemas de política interna israelense. O restante do público não tem como vestir a carapuça e tampouco entender inteiramente de que trata tudo aquilo.

APROXIMAÇÃO
Disengagement
estreia 12 03 2010
Alemanha/ Itália/ Israel/ França
2007 – 115 min. - 12 anos
Gênero Drama / história
Distribuição Pandora
Direção Amos Gitai
Com Juliette Binoche, Liron Levo,
Jeanne Moreau, Barbara Hendricks

Vamos trocar idéias, conversar e debater cinema DURANTE a entrega do Oscar?

2010-03-05T12:29:00.000-08:00

No próximo domingo, eu estarei ao vivo na Rádio Bandeirantes de São Paulo (AM 840 e FM 90.9) para comentar a entrega do Oscar, a partir das 23 horas e até o encerramento da cerimônia. Vai haver interatividade com os ouvintes por meio de telefone e e-mail.
O endereço da Rádio Bandeirantes, para seguir a programação pela internet é:

www.radiobandeirantes.com.br

Vamos sortear vários exemplares do meu livro "Os Melhores Filmes Novos" entre os ouvintes que acertarem as principais premiações. Já fiz a mesma coisa no ano asado e foi bem divertido. As pessoas da minha família já disseram que vão abaixar o som da TV e ficar só com as imagens, para seguir o áudio do evento pela rádio. Não é uma sugestão, mas apenas uma idéia.

Com quem será que o Oscar vai ficar? É o que vamos saber no próximo domingo.

2010-03-05T11:08:00.000-08:00

Chega de discussão e suspense! Neste fim de semana, teremos a premiação do Oscar e a maior parte das apostas já estão fechadas. Para Melhor Filme, o favorito nas pesquisas é “Avatar”, deixando “Bastardos Inglórios” e “Guerra ao Terror” empatados no 2º lugar. “Avatar” é uma fantasia épica, que adota o estilo da ficção científica para criticar a destruição da natureza e o expansionismo militar. “Bastardos Inglórios” de Quentin Tarantino é uma farsa histórica, que ridiculariza a guerra por meio da exacerbação da violência. Entre os dois, minha preferência é “Guerra ao Terror”, por causa da sua proximidade com o mundo real, colocando o público em pleno campo de uma batalha que está acontecendo agora. Também critica a guerra, mas adota um ângulo diferente para fazer isso: ou seja, o ponto de vista dos especialistas em desativar as bombas armadas por terroristas. No entanto o filme de minha predilação na disputa pela estatueta é "Um Homem Sério" (ACIMA), dos irmãos Coen, uma comédia corrosiva de cunho autobiográfico, no qual os cineastas brincam (muito a sério) com suas origens étnicas e familiares.

No topo das pesquisas para Melhor Ator aparece Jeff Bridges de “Coração Louco”, que já ganhou o Globo de Ouro e que foi indicado 4 vezes, todas sem levar o Oscar. Pode ser a oportunidade para a Academia de Hollywood reparar a tortura: por 4 vezes ele foi lá e aguardou pacientemente a frase “e o Oscar vai para...”, mas teve que ficar ali sentadinho, sorrindo amarelo para as câmeras de TV, enquanto outro concorrente levantava para receber a estatueta e os aplausos. Mas no meu entender o melhor ator de todos é o inglês Colin Firth (ABAIXO), o último da lista nas apostas, pelo excelente “Direito de Amar” que já está em cartaz.

Em termos de Melhor Atriz, a preferência é para Sandra Bullock (ACIMA) de “O Sonho Impossível”, ainda não lançado no Brasil. Mas, ela corre o risco de perder para Meryl Streep, cravada no 2º posto com “Julie & Julia”, que já saiu de cartaz. Para mim tanto faz uma ou outra, porque as duas atuações são apenas medianas. Já para Ator Coadjuvante, 75% dos votos indicam o alemão Christoph Waltz, o impagável comandante nazista de “Bastardos Inglórios”. Nesse ponto, eu concordo totalmente com a maioria. Como também no caso de Atriz Coadjuvante para Mo’ Nique, a detestável mãe de “Preciosa”... Curioso como os melhores coadjuvantes interpretam personagens malignos e contraditórios.

Geralmente o Oscar de Melhor Diretor é entregue para quem fez o melhor filme, mas, pode ser que a Academia resolva fazer média premiando o perdedor, que pode ser Katherin Bigelow de “Guerra ao Terror”, ou James Cameron de “Avatar”. Portanto, é provável que Quentin Tarantino ganhe Melhor Roteiro original por “Bastardos Inglórios”. Mas, para mim o melhor roteiro adaptado é “Distrito 9” (ACIMA), produção de Peter Jackson que é também o 1º nas pesquisas. Trata-se de um filme de ficção científica que, no entanto, fala da realidade social na África do Sul, de um modo surpreendente. E correndo por fora, temos “Up - Altas Aventuras”. Indiscutivelmente é o melhor desenho animado de longa metragem, mas que também concorre a Melhor Filme. Quem sabe...

Atores, música e texto de qualidade não fazem de “Coração Louco” um grande filme

2010-03-03T10:56:00.001-08:00

“Coração Louco” é mais um filme de ator, no sentido em que todo ele é montado para colocar em evidência a atuação do protagonista. Vivido por Jeff Bridges (“Starman – O homem das Estrelas” – 1984), o personagem é um astro da música country de meia idade que, antes de conhecer o apogeu em sua área, entra em declínio por causa da bebida. E pelo rosto de Jeff Bridges passa todo o tormento causado pela decadência, o vício, a velhice e a proximidade da morte. Poderia ser uma espécie de versão musical de “O Lutador”, com Mickey Rourke, que também concorria no ano passado, nessa mesma linha de um artista fracassado que tenta se redimir e busca uma segunda chance − como aliás, uma especialidade típica do cinema americano. Mas aqui a produção é mais caprichada, inclusive com a composição de belas canções feitas especialmente para o próprio Bridges interpretar – uma delas é "The Weary Kind” que concorre ao Oscar.

No elenco de apoio, “Coração Louco” coloca atores de gabarito, como Robert Duvall e Colin Farrel e Maggie Gyllenhaal. O roteiro, como sempre investe na figura de uma mulher para arrancar o cantor do fundo do abismo em que se encontra. Só que além do encontro amoroso, o herói repara melhor nos artistas com quem trabalha e observa um traço de solidariedade além da competição. É daí que se origina a força para a superação do personagem e, também, a originalidade do filme. Mesmo com todo essse esforço, o filme não consegue esconder a inexperiência de um diretor em seu primeiro filme.

CORAÇÃO LOUCO
Crazy Heart

estreia 05 03 2010

EUA - 2009 – 112 min. – 14 anos
Gênero Drama / musical
Distribuição Fox Films
Direção Scott Cooper
Com Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal e Robert Duvall

"Entre Irmãos" é um estudo sobre os efeitos da guerra no plano individual

2010-03-02T05:55:00.001-08:00

Há 20 anos, o cineasta irlandês Jim Sheridan (Dublin, 1949) quase ganhou o Oscar com o memorável “Meu Pé Esquerdo” (1990), que foi premiado apenas pelos atores (Daniel Day Lewis e Brenda Fricker). Depois disso, ele foi indicado em vão outras duas vezes, com “Em Nome do Pai” (1994) e “Terra de Sonhos” (2004). Mas isso não lhe tira o prestígio de diretor sério e competente, que agora nos oferece “Entre Irmãos”. O filme fala da guerra no Afganistão, mas vale como estudo sobre a capacidade dos iguais ou semelhantes lutarem irracionalmente entre si − o que certamente é um tema fortemente ligado aos irlandeses que enfrentaram décadas de guerra civil.

Tobey Maguire (“O Homem Aranha”) é um experiente oficial capturado e preso pelos rebeldes e que, no entanto, é dado como morto em combate. Vivida por Natalie Portman (“Free Zone”), a esposa encontra relativo consolo na amizade do cunhado, ex-presidiário e sem emprego fixo (Jake Gyllenhaal de “O Segredo de Brokeback Mountain”) que logo de cara conquista o coração dos sobrinhos e se torna um eficiente substituto do pai, com a vantagem de se achar sempre disponível. No filme, essa aproximação afetiva entre o rapaz e a suposta cunhada viúva e linda se limita a um único beijinho. Mas quando o soldado volta para casa, tem absoluta certeza de que fora traído e entra em confronto direto com o irmão e com o resto da família. Como narrador do filme, ele lamenta em off na trilha sonora: “não morri, mas a questão é... conseguirei viver novamente?”. Tudo não passaria de uma crise de ciúme, não fosse a participação dos filhos do casal, cujo comportamento não precisa respeitar qualquer compromisso com a racionalidade e a diplomacia. Sem ser uma obra prima, “Entre Irmãos” pode ser visto como um exercício de observação acerca das incoerências da natureza humana. Ou uma reflexão de como o confronto entre nações pode se refletir na agressão entre parentes.

ENTRE IRMÃOS
Brothers
estreia 05 03 2010
EUA - 2009 – 107 min. - 14 anos
Gênero Drama / guerra
Distribuição Imagem Filmes
Direção Jim Sheridan
Com Natalie Portman, Tobey Maguire e Jake Gyllenhaal

Veterano designer de moda, Tom Ford acerta logo no primeiro filme: "Direito de Amar"

2010-03-02T04:36:00.001-08:00

O cinema é o território natural do inesperado. Como imaginar que, em sua primeira experiência como roteirista e diretor, um designer de moda mostrasse tanta segurança dos seus recursos expressivos? Durante 10 anos, Tom Ford (Texas, 1961) cuidou da marca Gucci com grande habilidade, chegando a livrar a empresa da falência e levando-a a faturar 3 bilhões de dólares ao ano. Agora debutando na carreira de cineasta com “Direito de Amar” (A Single Man), logo de cara tem o protagonista Colin Firth concorrendo ao Oscar de melhor ator. Além do notável desempenho dele e de Juliane Moore, o filme se destaca pela precisão das imagens e pela escrita dos diálogos que associa profundidade e elegância.

O ambiente cultural da cena é Los Angeles em 1962 − exatamente, portanto, no momento que antecede o início da chamada “revolução sexual”, com o país ainda transtornado pela presença soviética em Cuba. Espelhando os dilemas da época como poucos filmes conseguiram, em “Direito de Amar”, o diretor iniciante se movimenta com firmeza em situações de fronteira entre o cômico e o trágico, entre o patético e o sublime, entre os impulsos de amor e de morte. Um dos personagens se pergunta: "se não estamos gostando do presente, o que nos faz pensar que o futuro será melhor?"

Desde o início, por meio de uma narração em off do protagonista, ficamos sabendo que ele pretende se suicidar, porque a pessoa amada morrera num acidente. E ele – um prestigiado professor universitário de literatura inglesa – nem teve o direito de comparecer ao enterro. Era um caso de amor quase secreto porque, ainda que tivesse durado mais de 15 anos, tratava-se de um relacionamento homossexual – o que era socialmente inaceitável no início dos anos 60, época em que a história é ambientada. Mas a proposta não é filmar os acontecimentos em si, e sim a subjetividade do personagem em relação a eles. Nesse sentido, impressiona e comove a longa sequencia em que o metódico professor ensaia meticulosamente todas as etapas do suicídio, desde a posição em que empunharia o revolver, até o terno que deveria vesti-lo no caixão.

As lembranças, os pesadelos e as distorções da realidade objetiva provocadas pelo desespero, pela mistura de álcool com tranqüilizantes, ou pela proximidade da morte se harmonizam com o registro prosaico do cotidiano. Para cada uma dessas instâncias, Ford cria uma linguagem visual que as distingue das demais. Assim, as memórias aparecem granuladas, enquanto as alucinações e os insights são mostrados em câmara subjetiva, em super closes e sonorização explicitamente artificial. Nesta, música e ruídos ganham a mesma importância. O roteiro cruza por todas essas transições sem perder a fluência ou escorregar para o melodrama. Finalmente, deságua num desfecho que, mesmo sem ser feliz para o personagem, mostra-se poético e satisfatório do ponto de vista da narrativa, ao instaurar sutilmente um elemento fantástico que vem para enriquecê-la.

DIREITO DE AMAR
A Single Man
estreia 05 03 2010
EUA - 2009 – 101 min. - 14 anos
Gênero Drama
Distribuição Paris Filmes
Direção Tom Ford
Com Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode

Porque “O Segredo dos Seus Olhos” foi o estrangeiro que ganhou o Oscar

2010-02-23T17:34:00.000-08:00

O grande preferido pelas críticos, inclusive eu, claro, era a “Fita Branca” do austríaco Mikael Haneke. Mas confesso que fiquei surpreso com a excelência do argentino “O Segredo dos seus Olhos”. Em 2001, com “O Filho da Noiva”, Juan José Campanella (Buenos Aires, 1959) já dizia ao que vinha, afirmando mundialmente o seu talento de construtor de histórias e diretor de cinema. Os brasileiros aplaudiram e o filme ganhou prêmios em São Paulo e Gramado, além de também ter sido indicado ao Oscar.

Depois disso ele foi trabalhar nos EUA, fez muita coisa para a televisão, como as séries “House MD” e “Law & Order”, e agora finalmente conquista um Oscar com este admirável “O Segredo dos Seus Olhos”. Um filme completo, no sentido de reunir excelentes técnicos e atores num um roteiro intrincado, mas absolutamente inteligível na tarefa de contar duas histórias ao mesmo tempo: uma dentro da outra e se desenvolvendo em épocas diferentes (1999 e 1974), ainda que com os mesmos personagens. Uma de amor e descoberta, a outra de suspense e crime. Os personagens falam o tempo todo e sem parar, no entanto, a ação jamais estaciona para abrigar aquelas conversinhas moles de estúdio que marcam as telenovelas.

Ricardo Darín, o ator predileto de Campanella, interpreta um oficial de justiça aposentado e tentando transformar em livro um caso policial em que se envolvera 30 anos antes. Dois outros intérpretes irretocáveis lhe servem de apoio nesse processo: Soledad Villamil, no papel de uma juíza por quem ele se apaixona e a quem nunca se declara, e Guillermo Francella que quase rouba a cena, num papel que se inicia cômico e termina de modo especialmente emocionante. O humor e o drama, aliás, se casam com perfeição no cinema de Campanella por meio de um diálogo econômico, a um só tempo rude e poético. Para emoldurar o quadro, ao seu final, vemos que toda a trama se encaixa em elementos concretos da sociedade argentina, ou seja, o futebol e a ditadura dos anos 70. Ou seja, Camapanella não é um diretor americano que nasceu na Argentina, como resmungam alguns. Ele é, na verdade, um cineasta portenho que incorporou tudo o que aprendeu em Hollywood para engrandecer o cinema de seu país. A cena mais empolgante do filme é um plano-sequencia que se inicia mostrando um estádio de futebol numa tomada aérea. Em seguida a câmara mergulha, se aproxima do campo e voa pelas arquibancadas até captar um personagem no meio da massa, para acompanhá-lo enquanto persegue alguém no meio da multidão. É de cortar o fôlego.

O SEGREDO DOS SEUS OLHOS
El Secreto de Sus Ojos

estreia 26 02 2010

Argentina / Espanha

2009 – 129 min – 12 anos

Gênero Drama / Policial / romance

Distribuição Europa Filmes

Direção Juan José Campanella

Com Ricardo Darín, Soledad Villamil e Guillermo Francella

“Simplesmente Complicado” de Nancy Meyers não supera "Alguém tem que Ceder"

2010-02-22T17:16:00.000-08:00

Em 2004, Nancy Meyers passou para o primeiro plano das discussões sobre cinema com o seu simpático e instigante “Alguém tem que Ceder” (Something’s Gotta Give) com Jack Nicholson e Diane Keaton, classificado como “comédia romântica pata terceira idade”. Com “Simplesmente Complicado” (It’s Complicated), também escrito e dirigido por ela, que acaba de ultrapassar a marca dos 60 anos, o rótulo poderá ser o mesmo. De novo, o público é levado a se perguntar com que será que a protagonista vai ficar e podemos adiantar que a solução dramática do filme anterior era mais engenhosa. Desta vez ela faz como alguns redatores brasileiros de telenovela e apresentam dois finais para a mesma trama. Steve Martin e Alec Baldwin disputam Meryl Streep de um modo bem original. Baldwin e Meryl estão divorciados há 10 anos. Ele se casou com uma mulher mais jovem, mas o casamento não vai bem. E ela começa a se sentir mais livre, porque os três filhos já são adultos.
Para surpresa deles, no dia da formatura do mais novo, eles começam a ter um caso. Justamente quando ela começa a ser cortejada por um arquiteto vivido por Steve Martin, torna-se amante do ex-marido. Ele se sente atraído pela idéia de reconstituir a família original, porque a mais recente tem trazido muitos problemas e raras alegrias. E ela desenvolve a teoria de que, agora, livres dos problemas que sobrecarregavam o cotidiano casal há 10 anos, é possível retomar um relacionamento apenas no prazer. Aliás, o sexo assume uma função importante nesse enredo, porque, como novos amantes, eles experimentam um desempenho bem mais satisfatório do que no tempo em que eram velhos casados. É nessa área, porém, que a senhora Nancy Meyers escorrega, espalhando alguns gracejos meio grosseiros pelo diálogo, geralmente ágil e elegante, no qual brilham algumas piadas dignas de Woody Allen da primeira fase. O qüiproquó que envolve um computador funciona bem e até atribui um toque mais atual para a trama. Mas, não precisava usar o regador do jardim como metáfora da ejaculação...

Simplesmente Complicado
It's Complicated
2009 - USA - 120 min
estreia 26 02 2010
gênero comédia / romance
distribuição Paramount
Direção Nancy Meyers
Com Meryl Streep, Steve Martin, Alec Baldwin

Os irmãos Coen falam de "Um Homem Sério" que, desta vez, estava lá mesmo.

2010-02-19T11:46:00.000-08:00

Nesta comédia “Um Homem Sério” os irmãos Coen ("Onde os Fracos não tem Vez" - 2007) elegem a própria etnia como alvo − o que é, aliás, a principal característica do chamado “humor judaico”, geralmente auto-centrado. Mas aqui os Coen não apenas ridicularizam usos e costumes, como também crenças e tradições religiosas. O roteiro coloca de um lado, o homem sério do título e, de outro, três rabinos que deveriam apoiá-lo em seus dilemas existenciais e familiares, mas só amplificam a sua confusão. E acima de tudo, quase como um personagem fora de cena e que, no entanto, é o mais citado por todos os demais, a presença do Todo Poderoso. Ele só é chamado no filme pelo nome de "Ha Shem", o que obriga o público "goi" a um esforço de dedução: "ah... eles estão falando de Deus". Pois Ele castiga implacavelmente algumas figuras da história, de um modo semelhante ao que se observa em certas passagens do Velho Testamento.

O outro alvo do corrosivo sarcasmo dos irmãos Coen é a família. A do personagem central, um professor de física, é especialmente enlouquecedora: a mulher o troca por um velho amigo e o expulsa de casa, exigindo que ele pague as contas do divórcio; a filha sempre lhe subtrai dinheiro da carteira; o filho vai completamente chapado ao próprio Bar Mitzva e o irmão que dorme no sofá da sua casa é preso por sodomia. Interpretado por Michael Stuhlbarg, esse protagonista sem objetivo dramático e sem vontade própria, quase um fantoche nas mãos dos outros, parece uma versão cômica de "Woyzec", de Georg Büchner (1836).

Apesar de toda a seriedade e da vocação para a obediência e para a conformidade social, ele resiste a tentações, como a vizinha sexy que o convida para um chá gelado na tarde quente, e o aluno coreano que lhe oferece uma fortuna em troca da aprovação. Provavelmente resiste apenas porque teme a ira de Ha Shem. Antes dos créditos de abertura há uma inacreditável sequencia ambientada na Polônia do século XIX que, a princípio, parece cena de horror, mas é a mais engraçada do filme. Em segundo lugar vem um pesadelo do professor, no qual ele usa uma lousa gigante (foto abaixo) para demonstrar matematicamente o princípio da incerteza de Heisenberg, aliás, um tema que sempre fascinou os irmãos Coen e que deles mereceu um filme inteiro como tema: "O Homem que não Estava Lá" (2001).

UM HOMEM SÉRIO
A Serious Man
estreia 19 02 2010
EUA/ Reino Unido / França
2009 – 109 min.-12 anos
Gênero Comédia
Distribuição Paramount
Direção Joel Coen e Ethan Coen
Com Michael Stuhlbarg,
Sari Lennick e Richard Kind

“A Fita Branca” já ganhou em Cannes e no Globo de Ouro. Agora só falta o Oscar.

2010-02-19T10:19:00.000-08:00

Assim como foi "O Ovo da Serpente", que Ingmar Bergman fez em 1977, este filme de Michael Haneke tem sido interpretado como um estudo sócio-psicológico a respeito das origens do nazismo na Alemanha. Isso é até explicitado na narração em off que corresponde ao ponto de vista de um dos personagens. No filme ele é um mestre-escola com menos de 30 anos, mas a voz é de um ancião que, aliás, afirma não ter certeza se aquilo que ele testemunhara em 1913 aconteceu exatamente do modo como vai contar, mas tem certeza de que a narrativa (ainda que localizada num ponto qualquer da zona rural) tem ligação com os rumos que a história do país tomaria a partir de então. O narrador se refere a uma série de crimes misteriosos que agitam uma pequena aldeia alemã.

Continuando a comparação com a obra de Bergman, o enredo de "O Ovo da Serpente" situa-se em Berlim no ano de 1923, contemporâneo portanto, das primeiras investidas concretas do nazismo, como a tentativa de golpe em Munique. O protagonista é um indigente judeu, vítima de um médico que o usa como cobaia em experiências mostruosas com gazes alucinógenos. Essa uma referência a "O Gabinete do Doutor Caligari" que Robert Wiene filmaria em 1920 e aos campos de concentração.

Por sua vez, as principais figuras da trama de Haneke estão longe da ação partidária, mas já formam um grupo particularmente coeso em termos doutrinários. Trata-se de uma dúzia de adolescentes, que tomam aulas de catecismo com o pastor local, um líder especialmente rígido e ortodoxo. Essas aulas acontecem sempre a portas fechadas e nem o professor que narra os acontecimentos sabe o que se passa por trás delas. Mesmo assim, o narrador destaca as severas punições corporais que os rapazes sofrem e a fita branca que são obrigados a usar, quando pecam contra a castidade. De fato, eles estariam com 30 e poucos anos em 1933, quando Hitler tomasse o poder.

Mas o filme de Haneke ("Caché" – 2005) transcende a essa marcação histórica e discorre acerca da arquitetura do fanatismo e da violência que esse estado de espírito é capaz de gerar. Além disso, é uma peça de suspense que faria inveja a Hitchcock e seus seguidores porque só revela os criminosos no final, e mesmo assim de modo sutil. Eles só são vistos em grupo em duas ou três ocasiões e quando estão cantando no coro da igreja. Se em "Caché", o mal se achava escondido na memória do protagonista, aqui ele contamina o povoado inteiro e qualquer um pode ser seu agente, menos o professor que narra o filme. Sabiamente, Haneke responsabiliza a todos − o barão, o pastor, os policiais, o médico e até os camponeses – mas, isenta o educador.

A FITA BRANCA
Das Weisse Band
Alemanha/Áustria/França/Itália
2009 – 145 min. - 16 anos
estreia 12 02 2010
Gênero Drama / História
Distribuição Imovision
Direção Michael Haneke
Com Christian Friedel, Ernst Jacobi,
Leonie Benesch, Ulrich Tukur

Peter Jackson de "O Senhor dos Anéis" parte em busca de “Um Olhar do Paraíso”

2010-02-19T09:49:00.000-08:00

“Um Olhar do Paraíso” (The Lovely Bones) surpreende por ser um drama espiritualista dirigido por Peter Jackson, o criador da série “O Senhor dos Anéis”. Fala de uma moça de 14 anos assassinada por um pedófilo e que, após a morte, continua interagindo com os vivos. O assassino não é descoberto e continua solto, tornando-se uma ameaça também para a irmã da vítima e para a família dela como um todo. O filme chega a mostrar uma experiência que poderia ser considerada de mediunidade, quando alguns personagens entram em contato verbal com ela. O próprio pai, bem trabalhado por Mark Wahlberg, sente a sua presença e passa a desconfiar do criminoso, que mora na mesma rua.

Poderia ser uma história de fantasma, como tantas outras que já assombraram o cinema. Mas há uma clara identificação com o pensamento kardecista, ao colocar a menina morta numa espécie de estágio intermediário entre o mundo em que vivemos e o além, que a distribuidora do filme se apressou a chamar de “paraíso” no título brasileiro. Esse ambiente é desenhado de forma a não parecer repetitivo ou psicodélico, e nem cair no mau gosto. Só que não foi possível evitar a exuberância nessas imagens, assim como dev ter sido difícil conter os acordes inflamados de Brian Eno, incorporando lembranças da banda Roxy Music na trilha sonora.

Em breve veremos o brasileiro “Nosso Lar”, de Wagner Assis (“A Cartomante” – 2004) baseado em livro de Chico Xavier, em que esse limbo funciona como uma cidade, na qual os espíritos são preparados para seguirem em frente. Stanley Tucci (foto abaixo) constrói uma personificação tão marcante desse psicopata, que foi indicado para o Oscar de coadjuvante. O problema é que ele atua um pouco na linha dos velhos atores característicos, exagerando nos recursos exteriores à interpretação, como enchimento nas bochechas e outros truques. Interpretando a avó, Susan Sarandon cuida dos momentos cômicos, mas a boa surpresa é mesmo a iniciante Saoirse Ronan no papel central. E o próprio Jackson, como diretor competente também no terreno do intimismo, soltando a câmera do tripé e buscando a agilidade nos cortes e a fluência na narrativa.

UM OLHAR DO PARAISO
The Lovely Bones
EUA/ Reino Unido/ Nova Zelândia
2009 – 135 min. – 14 anos
Estréia 19/02/2010
Direção Peter Jackson
Gênero Drama / Suspense
Distribuição Paramount
Com Saoirse Ronan, Mark Wahlberg,
Stanley Tucci, Susan Sarandon, Rachel Weisz

Beto Brant continua experimentando com este "O Amor Segundo B. Schiamberg"

2010-02-18T02:52:00.001-08:00

"O Amor Segundo B. Schiamberg" é um filme editado a partir uma série de TV produzida em 2009, e no qual Beto Brant ("Cão Sem Dono" – 2007) realiza uma inusitada experiência de linguagem cinematográfica, que consiste em derrubar uma barreira aparentemente instransponível entre o documentário e a ficção. Realizado na TV Cultura, o projeto pretendia oferecer uma alternativa mais humana e inteligente à febre atual dos reality shows. A idéia era flagrar o afeto e o carinho desabrochando sem planejamento nem obrigatoriedade, em lugar do constrangimento erótico e da competição entre pessoas confinadas num cativeiro de voyeurismo televisivo. Um rapaz e uma moça que não se conheciam são instalados num apartamento, junto com oito câmaras de vigilância escondidas no local, e lá permanecem por várias semanas, praticamente sem qualquer interferência por parte da direção. Nisso consistem a sinopse e a estratégia do espetáculo. Ele é o ator Gustavo Machado, profissional de prestígio e já premiado pelo filme "Olho de Boi" (2007). E ela é Marina Previato, uma artista plástica que trabalha com vídeo. Beto Brant não deu nenhuma orientação, a não ser a de que ela aproveitasse o tempo para fazer um vídeo em que ele atuasse. Como só acontecia até então nos documentários, aqui não há bastidores de cena, ou seja, aquele espaço que não vemos na tela e é povoado pelo diretor, pelos técnicos, refletores, rebatedores e demais equipamentos de filmagem.

Ou seja, em "O Amor Segundo B. Schiamberg" não existe mais a costumeira descontinuidade entre o que acontece diante da câmara e o que se esconde por trás dela. A máquina de filmar se acha, portanto, em presença do totalmente inesperado, num contato imediato com a chamada “carne do mundo” − o que era uma prerrogativa exclusiva do gênero documentário. Um detalhe: pela foto abaixo, vemos que ela sabia onde cada câmara se escondia. Ele não...
As centenas de horas gravadas foram editadas junto com vídeo da Marina e o filme ficou pronto, com um som sofrível, uma imagem pouco definida e captada sem iluminação. E, mesmo assim, sensacional. Não só pela poesia de um encontro verdadeiro ao desabrochar diante dos nossos olhos, mas pela natureza inovadora do experimento.

O AMOR SEGUNDO B. SCHIANBERG
Brasil - 2009 – 80 min. 14 anos
Gênero drama / documentário?
Distribuição Espaço Filmes

Direção Beto Brant
Com Gustavo Machado e Marina Previato

"Percy Jackson e o Ladrão de Raios": aventura educativa baseada na mitologia grega

2010-02-12T12:50:00.000-08:00

Nos livros “O Minotauro” e “Os 12 Trabalhos de Hércules”, Monteiro Lobato colocava a turma do Sítio do Pica-pau Amarelo em plena Grécia antiga, para interagir com os deuses do Olimpo. Por meio do “faz-de-conta” e do “pó de pirlimpimpim”, Dona Benta ensinava mitologia grega a Pedrinho, Narizinho e outras milhares de crianças brasileiras que se deliciavam com as peripécias da Emília e do Visconde de Sabugosa, enfrentando monstros como a hidra de Lerna. Guardadas as devidas proporções, o filme Percy Jackson e o Ladrão de Raios faz a mesma coisa, só que com a ajuda de efeitos visuais requintados e um elenco de figuras expressivas: Rosario Dawson como Perséfone; Uma Thurman no papel de Medusa e Peirce Brosnan, fazendo o centauro Quiron. Aquele que aparecia no livro do Lobato, aliás, foi batizado pela boneca Emília como Meioameio, por ser meio homem meio cavalo.

Apesar de meio educativo e meio caótico, Percy Jackson é uma brincadeira de Chris Columbus, diretor que fez dois exemplares de Harry Potter. Aqui, ele adapta outra série literária juvenil, criada pelo escritor Rick Riordan, sobre um garoto que é filho do deus grego Poseidon com uma mortal (Catherine Keener). O plano era criar outra franquia de adolescente mágico, mas talvez tenha faltado a Columbus o “pó de pirlimpimpim”. Ele se chama Percy, numa referência ao herói Perseu, que era filho de Zeus. No filme, ele enfrenta Medusa, como fez o Perseu da mitologia. Um dia roubam os raios de Zeus e é o rapaz que leva culpa. A mãe é capturada por um minotauro e o garoto dá início a uma odisséia para resgatá-la. É interessante a identificação com este gênero de narrativa, na qual os deuses e heróis gregos se movimentam. Mas, para exemplificar o nível do humor do filme, entre os objetos mágicos a que ele recorre para agir, há um tênis com asas que pertencia ao deus Hermes. Ou seja, o filme é engraçado e bem produzido, mas as piadas de Lobato eram melhores.

PERCY JACKSON E O LADRÃO DE RAIOS
Percy Jackson & The Olympians: The Lightning Thief
Canadá / EUA - 2010 – 121 min. – Livre
Gênero Comédia / Aventura
Distribuição Fox Films
estréia 21 02 2009
Direção Chris Columbus
Com Logan Lerman, Uma Thurman,
Pierce Brosnan, Rosario Dawson

Em "O Lobisomem", o filme B de 1941 se transforma em superprodução

2010-02-12T12:14:00.000-08:00

Essa foto que abre a matéria não é do Benício del Toro há 15 anos, mas do Lon Channey Jr, que fez O Lobisomem em 1941. O folheto publicitário do filme diz que Benício Del Toro resolveu refilmar O Lobisomem antigo por sugestão de seu empresário, que o julgava exageradamente peludo. É mais provável, porém, que o ator de Che tivesse se inspirado em sua própria semelhança com Lon Chaney Jr, o intérprete do filme clássico (o olhar é o mesmo, como vemos na foto acima).

A trama de O Lobisomem se desenvolve numa mansão do século XIX iluminada apenas por velas e lampiões, cercada de bosques repletos de luar filtrado pela névoa. Por serem capazes de filmar com pouquíssima luz, as modernas câmeras de alta definição abrem novas possibilidades expressivas para o velho gênero do horror, cujo habitat natural são as sombras na noite. Essa modalidade de cinema vive agora um grande momento porque, além das câmeras digitais veio a computação gráfica, oferecendo novas facilidades para criar monstros sempre mais horripilantes, dinâmicos e verossímeis.

Esta nova versão de O Lobisomem se beneficia especialmente dessas inovações, mostrando-se bem mais gótico e assustador que o clássico de 1941 − ainda que tenha se baseado no roteiro original de Curt Siodmack, ambientado em meados do século XX. O novo diretor Joe Johnston e os roteiristas Andrew Walker e David Self − profissionais com grande experiência em séries de TV − criaram um visual mais sofisticado e deram mais densidade aos personagens, aprofundando o conflito entre o protagonista e seu pai, aqui interpretado por sua excelência Antonhy Hopkins. Ou seja, enveredaram por um caminho ficcional que o cinema americano do início dos anos 40 não podia seguir. Pontuado por referências a Shakespeare, esse drama ganha o peso de uma tragédia: uma espécie de Édipo invertido de maneira demoníaca, o que permite a Anthony Hopkins citar a mais conhecida fala de Hamlet, numa cena particularmente impressionante. A propósito, o personagem central é um ator inglês radicado nos Estados Unidos, que volta para a Inglaterra após a morte violenta e misteriosa do irmão. Não fosse essa solução de roteiro, aliás, Del Toro seria obrigado a interpretar com sotaque britânico. Outro mérito do roteiro é ter dado um motivo para a violência do monstro. Os vampiros matam pelo sangue, os zumbis para comer e os lobisomens por qual razão?
Neste filme ficamos sabendo.

Em suma, o que foi um “filme B” em 1941 foi adaptado para uma produção de primeira categoria, que tem a estilista Milena Canonero cuidando dos figurinos e o mestre Rick Baker fazendo a maquiagem. Em 1981, quando Hollywood decidiu instituir o Oscar de maquiagem, o primeiro premiado foi ele, justamente com o filme Um Lobisomem Americano em Londres que, até hoje, é o filme mais interessante com esse tema. Mas é preciso admitir que a máscara (foto abaixo) criada pelo mago da caracterização Jack Pierce em 1941, apesar de mais simples que a atual, tinha a vantagem de permitir que os olhos do ator ficassem bem visíveis para exprimir a o mundo interior do monstro.

O LOBISOMEM
The Wolfman
Reino Unido / EUA
2010 – 102 min - 14 anos
Gênero herror / Suspense
estréia 12/02/2010
Distribuição Paramount
Direção Joe Johnston
Com Benicio del Toro, Emily Blunt,
Anythony Hopkins e Hugo Weaving

"O que resta do tempo" é o amadurecimento do estilo pessoal de Elia Suleiman

2010-02-04T16:13:00.001-08:00

Finalmente, aos 50 anos de idade, com O que resta do tempo, o cineasta Elia Suleiman acerta a mão e consegue firmar um estilo próprio. Ele é um israelense de etnia árabe, que nasceu e cresceu na cidade de Nazaré e, em 2002, com o discutível Intervenção Divina, ensaiava os primeiros passos em direção ao tipo de cinema que só agora consegue fazer. Difícil de conceituar, antes de tudo essa linha de trabalho busca um ponto intermediário entre a intensa estilização e o relato histórico. Fala de acontecimentos dramáticos que ele e seu povo de fato viveram, desde 1948 com a criação de Israel.

Autobiográfica, a narrativa tem como protagonista o pai do cineasta, um dissidente que fabricava armas para os palestinos, enquanto ele só aparece como testemunha quase calada e totalmente submissa às circunstâncias. Mas, a não ser logo no início, não há cenas de violência, porque o roteiro coloca em primeiro plano o cotidiano das pessoas. Na cena inicial e nas sequencias finais é o próprio Suleiman que interpreta a si mesmo. O ambiente não parece adequado, mas o tom geral é de humor gráfico. Em boa parte das sequencias, os personagens entram em cena num quadro já montado e ali permanecem quase imóveis enquanto dialogam laconicamente. Às vezes os mesmos cenários e personagens se repetem para mostrar uma nova situação − o que remete às tiras de quadrinhos. Várias vezes, por exemplo, o garoto Elia joga no lixo sem tocar o prato de lentilhas que uma tia simpatizante dos israelenses costuma mandar de presente. Trata-se de um ato corriqueiro que adquire força de gesto simbólico, ao ser reforçado pela repetição. É como se, na memória do diretor, aquelas pessoas tivessem se transformado em figuras de cinema mudo ou de gibi. Ou talvez seja um truque para encaixar 60 anos de peripécias e emoções em algumas páginas de roteiro cinematográfico. O efeito é encantador, cômico e melancólico ao mesmo tempo, como as comédias de Jacques Tati. O filme foi selecionado para a competição do Festival de Cannes 2009. Participou no Festival do Rio 2009 e na 33ª Mostra de Cinema de SP.

O QUE RESTA DO TEMPO
The Time That Remains
Direção Elia Suleiman
Bélgica/França/Itália/Reino Unido 2009
estreia 05 02 2010
Gênero Drama / História
Distribuição Imovision
Com Elia Suleiman, Saleh Bakri,
Samar Tanus, Shafika Bajjali

"Guerra ao Terror" contundente manifesto anti militarista por meio do suspense

2010-02-04T16:12:00.001-08:00

Em Guerra ao Terror, sob o sol incandescente do Iraque, um homem enverga uma armadura que parece construída com o casco de um tanque blindado. Seus dedos trabalham nervosos para desarmar um artefato terrorista. Em volta e à distância, os soldados se protegem e apontam suas armas para os cidadãos, cada um deles um terrorista em potencial. Há um traço de Roma Cidade Aberta (Rosselini – 1945) no DNA deste Guerra ao Terror, só com o sinal inverso. Em vez dos nazistas agredindo os romanos, temos os ocupantes ocidentais do Iraque aterrorizados pelos nativos que não aceitam o fim da guerra e espalham armadilhas explosivas por todo o lado. A história é escrita por Mark Boal − o mesmo roteirista de No Vale das Sombras (2007) dirigido por Paul Haggis que, até este Guerra ao Terror, era o mais contundente libelo anti-militarista feito pelo cinema nos Estados Unidos, após o 11 de setembro. Um militar aposentado investigava a morte do filho que acabara de voltar da guerra no Iraque.

Se no filme de 2007 o gatilho da trama era o mistério, agora a palavra de ordem é o suspense. Suspense e mistério − dois pólos opostos, como ensinava Hitchcock. Um dos exemplos que ele gostava de dar, aliás, era exatamente o da bomba prestes a explodir: qualquer movimento equivocado pode detonar o explosivo. Estrelado por Jeremy Renner (abaixo), essa incerteza percorre por inteiro o filme de Kathryn Bigelow, que vai mostrando horrores a cada cena mais insuportáveis.

Não há qualquer discussão política ou ideológica em Guerra ao Terror. E isso permite que possa ser visto como um mero filme catástrofe. Que catástrofe? O maior desastre capaz de acontecer com o ser humano, que é justamente a perda de sua humanidade. A guerra teoricamente já acabou, e os protagonistas são soldados cuja missão é desativar as minas e os torpedos que os rebeldes deixam para arrebentar na cara dos invasores ingleses e americanos. Mais técnicos (ou lixeiros) do que guerreiros, eles lidam com o pior que pode existir num conflito militar, que é o medo elevado à sua expressão mais aguda: o pavor que se encontra exposto a cada centímetro quadrado daquele território. O filme é todo desenvolvido a partir do ponto de vista deles.

Nem precisava a produção ter contratado os famosos Ralph Fiennes, David Morse e Guy Pearce (acima) para reforçar o elenco. O personagem de Jeremy Renner que concorre ao Oscar exprime no rosto o drama todo do filme. Ele encarna sozinho e por inteiro uma das supremas contradições da nossa espécie que é a obrigatória convivência da racionalidade com a loucura. Só uma personalidade doentiamente desprovida de qualquer receio pode se concentrar na lógica deste quebra-cabeça que é uma bomba relógio construída por um terrorista. Enquanto isso, num sentido contrário, o roteirista Mark Boal e a diretora Kathryn Bigelow vão armando a verdadeira crueldade do filme, que estoura como petardo na reflexão final de Guerra ao Terror.

GUERRA AO TERROR
The Hurt Locker
Direção Kathryn Bigelow
EUA - 2008 – 131 min
estreia 05/ 02/ 2010
Gênero Guerra/Ação
Distribuição: Imagem Filmes
Com Jeremy Renner, David Morse,
Guy Pearce e Ralph Fiennes

Em "Nine", Rob Marshall homenageia um filme de Fellini por meio de Bob Fosse

2010-01-30T14:39:00.001-08:00

Mesmo que em "All That Jazz" ("O Show deve Continuar") de 1979, Bob Fosse já tenha se apoiado em “8 e ½” como principal referência, Rob Marshall ("Chicago" - 2002 ) resolveu filmar um musical da Broadway chamado “Nine” que, nos anos 80, adaptava aquela obra-prima de Fellini. O trabalho de Bob Fosse, que ganhou a Palma de Ouro em Cannes, é infinitamente superior por ser original, ainda que apresente um tema semelhante ao proposto por Fellini: ou seja, um artista em meio a uma atribulação íntima e pessoal. "All That Jazz" era um filme autobiográfico sobre um diretor de teatro musical e os números de canto e dança que vemos na tela pertencem ao espetáculo que ele ensaiava. Outras referências ao clássico de 1963 de Federico Fellini também podem ser encontradas, como homenagens criativas, nos filmes “Memórias” de Woody Allen e “8 Mulheres e Meia” de Peter Greenaway. Já o de Rob Marshall é uma paródia simplificadora, de interesse essencialmente anedótico, ou seja, é curioso ver Daniel Day Lewis no lugar de Marcelo Mastroianni, Nicole Kidman em vez de Claudia Cardinale e Marion Cottillard na posição de Anouk Aimée.

O papel que era de Sandra Milo fica para Penélope Cruz (acima) e, aí sim, saímos lucrando. Enfim, são sete mulheres importantes na vida do protagonista e, para cada uma, fica reservada uma participação musical. Inclusive para Sofia Loren interpretando a mãe do personagem. O elenco ainda traz Fergie (do grupo de rap Black Eyed Peas), no papel de Saraghina, Judy Dench como a melhor amiga, e Kate Hudson fazendo uma reporter americana. Destacam-se os números de Marion Cottillard e de Judy Dench, enquanto os demais são apenas bem produzidos. Já o de Fergie mergulha no universo kitch. Nas coroegrafias, é inegável a influência estilística do próprio Bob Fosse, que escreveu e dirigiu a versão original de "Chicago" para a Broadway em 1975. Os conflitos de Fellini ficam reduzidos a uma crise conjugal mal resolvida e a trilha é um pastiche, quase um quodlibet, dos temas inesquecíveis de Nino Rotta.

NINE
Nine
EUA/ Itália 2009 – 119 min
Gênero Musical / história / drama
Distribuição Columbia
estréia 29/01/2010
Direção Rob Marshall
Com Daniel Day Lewis, Marion Cottilard, Penelope Cruz,
Judy Dench, Sofia Loren, Kate Hudson

"Invictus": de como um esporte violento ajudou a promover a paz interna num país

2010-01-30T13:51:00.001-08:00

Na antiguidade romana os políticos criaram a expressão “Pão e Circo” para designar dois elementos adequados ao controle das massas populares. O povo sempre precisa de alimento para o corpo e para a mente. A fórmula permanece, ainda que as sociedades humanas venham se tornando cada vez mais complexas. Integrante do conceito de circo, o esporte tem sido usado de diferentes formas. Como uma espécie de narcótico coletivo, no Brasil da ditadura, ou como fator de coesão nacional no filme “Invictus”, de Clint Eastwood, com Morgan Freeman no papel de Nelson Mandela e o uso que ele deu ao rugby na primeira fase de seu governo na África do Sul. A tese do roteiro é simplesmente que, por meio desse esporte, Mandela "construiu uma nação".

O país saía da condição de sociedade estamental e se encaminhava para se reinventar como nação democrática. E Mandela teve a visão de fazer do esporte um ponto de convergência entre negros e brancos, que passavam a ser concidadãos. E conseguiu isso sem decretos nem dotações orçamentárias, apenas com aquilo que se costuma chamar de vontade política. E com a ajuda de um poema do inglês William Ernest Henley (1849 - 1902) que dizia em seu desfecho "I am the master of my fate: I am the captain of my soul." ("Sou o mestre do meu destino, o capitão da minha alma"). Na imagem abaixo, o verdadeiro Mandela, cumprimentando o jogador François Pienaar, interpretado no filme por Matt Damon.

A iniciativa do projeto é do próprio Morgan Freeman, na qualidade de seu produtor executivo. Ainda na sinopse, ele comprou os direitos do livro em que o jornalista John Carlin conta essa história ("Playing the Enemy: Nelson Mandela and the Game that Made a Nation"). Por sua vez, na direção deste docudrama acima de tudo educativo, Clint Eastwood se aproxima da grandeza de Roberto Rosselini. Cineasta maduro e consagrado que, depois 35 de filmes de sucesso, foi para RAI fazer “A Tomada do Poder por Luis XIV”, o primeiro de uma série de 15 filmes destinados a ensinar história. O mesmo modo espartano de registrar os acontecimentos, evitando o sentimentalismo fácil e, justamente por isso despertando emoção. “Invictus” nos leva a perceber que, apesar de tudo, a grandeza das nações depende da ação política.

INVICTUS
Invictus
EUA - 2009 – 134 min
Gênero docudrama / político / história
estréia 29/01/2010
Distribuição: Warner Bros
Direção Clint Eastwood
Com Morgan Freeman, Matt Damon e Scott Eastwood

"Tyson" parece um auto-retrato, mas é um perfil autoral do pugilista por James Toback

2010-01-30T13:49:00.000-08:00

Um diretor e roteirista respeitado e experiente como James Toback não iria trapacear neste documentário sobre Mike Tyson, fazendo-o recitar um texto ensaiado. Mesmo porque poucas pessoas tiveram tanta exposição quanto esse ex-campeão de boxe e, portanto, seria fácil perceber se ele estivesse representando um papel. Tyson se destacava pela eficiência e crueldade, criando em torno de si uma mitologia que se ampliou depois dele ter sido condenado por estupro e passado alguns anos na prisão.

Fugindo da reportagem televisiva cuja fórmula envolve diversos depoimentos para compor o perfil do personagem, Toback se concentrou numa única entrevista com o lutador. As únicas vozes que ouvimos além dessa são as dos locutores que irradiavam as lutas, ou ancoravam os programas de TV dos quais participou. Num desses talk shows, aparece a solitária exceção que é a primeira esposa, ao lado dele, se queixando em público da vida conjugal. Mas não se trata de um documentário na primeira pessoa porque, por trás do longo depoimento percebe-se o trabalho de edição. Principalmente no início do filme, o diretor recorre à fragmentação e à sobreposição das falas, para nos colocar sensorialmente em presença de uma personalidade complexa e fraturada. A essência da obra é a divulgação do que não tinha aparecido nas matérias transmitidas pela mídia, especialmente a carreira de delinqüente juvenil até os 20 anos, quando Tyson conquistou o campeonato mundial. O inesperado sentimento que provoca este guerreiro derrotado pela vida é compaixão.

TYSON
Tyson
EUA - 2009 – 90 min
documentário
Distribuição Califórnia
Direção James Toback
Com Mike Tyson

"José de Anchieta - Poeta e apóstolo": minha homenagem ao aniversário da cidade.

2010-01-22T12:27:00.001-08:00

Em 2004 publiquei uma novela histórica sobre o fundador de São Paulo: "José de Anchieta - Poeta e apóstolo". Passados 456 anos da fundação da cidade, a lembrança do Padre José de Anchieta pode até ter esmaecido com o tempo. Mas a sua importância histórica permanece inabalável, por mais que oscile o foco da historiografia brasileira. Confesso que escrevi o livro pensando numa adaptação para o cinema e agora, que estou trabalhando numa segunda edição, adoraria receber comentários dos leitores e amigos. Se ele já estiver esgotado nas livrarias ou na Editora Paulinas, podem me solicitar uma cópia, por aqui ou por e-mail (vazramos@terra.com.br).

Em 1617, apenas 20 anos depois de seu falecimento, iniciou-se a campanha por sua beatificação. Os primeiros biógrafos, como Quirício Caxa e Simão de Vasconcelos, tinham acesso aos documentos do processo, no qual as pessoas que o conheceram testemunhavam sob juramento. Por isso, seus textos se acham repletos de prodígios e acontecimentos sobrenaturais que ocorriam, às centenas, ao longo da vida do Padre José. Já os fatos de natureza política e cultural, por exemplo, aparecem relegados a um papel secundário.
Nesta que é a primeira biografia de Anchieta elaborada fora dos quadros da Companhia de Jesus, a ênfase fica invertida: sem ignorar os assombrosos dotes intelectuais de Anchieta, nem omitir os seus milagres mais conhecidos, são suas ações concretas, como homem de cultura e líder religioso, que assumem o primeiro plano da narrativa. Os aspectos políticos da sua trajetória ganham o merecido destaque.

Uso a palavra política numa acepção ampla. Se naquele tempo ainda não havia partidos e nem um aparelho estatal consolidado, certamente já se manifestavam conflitos de interesses: uma verdadeira "guerra de signos" em que se chocavam diferentes idiomas, princípios religiosos, valores morais e estilos artísticos.
No Brasil do século XVI, vivendo peripécias repletas de perigos e emoções, além de elaborar a primeira gramática da língua tupi (capa acima), Anchieta criou métodos para difundir o evangelho que se harmonizavam com a cultura indígena. E assim, superando incontáveis e tremendos obstáculos, ele trouxe milhares de nativos para o cristianismo, protegendo-os assim da escravatura colonial. Era, sem dúvida, o que hoje chamamos de uma “política cultural” clara e definida. Nesse combate, as armas do beato Anchieta eram a firmeza religiosa, a inocência poética com que enfrentava todas as dificuldades e a irrestrita dedicação aos humildes. Anchieta só assumiu o comando dos jesuítas no Brasil em 1578, mas talvez a sua mais ousada realização no campo da diplomacia tenha sido a paz estabelecida com os tamoios em 1563, muito antes de ser ordenado sacerdote.

Anchieta foi também o fundador do teatro no Brasil. Em suas peças interagiam personagens que falavam espanhol, com outros que se expressavam em latim, em português ou em tupi. Mitos indígenas dividiam a cena com figuras da tradição católica e personagens históricos. Além de divertir e passar recados políticos junto com lições de vida, aqueles textos transmitiam valores religiosos e noções de moral. (acima e abaixo, Anchieta na visão de Cândido Portinari)

Mas este é apenas um dos aspectos do significado histórico de seu trabalho que, ao fomentar a difusão cultural, promovia a paz e a mútua aceitação entre os diversos grupos sociais do cenário colonial brasileiro: colonos portugueses, militares espanhóis, indígenas convertidos e pagãos. É até possível estabelecer uma conexão entre esse trabalho e a forma como se consolidou a diversidade étnica deste país, notável pela tolerância cultural e religiosa.

"Astro Boy": um personagem japonês que quer ser adotado pelo mundo inteiro

2010-01-20T12:30:00.001-08:00

Astro Boy é um desenho animado que, acima das suas qualidades cinematográficas representa um caso a ser estudado. Antes de tudo, é a adaptação para longa metragem de uma série com mais de 190 episódios de ½ hora para a televisão que simplesmente deu origem ao que hoje chamamos de mangá e animê. Iniciada em 1963, essa série inaugurava a moda japonesa de exagerar no tamanho dos olhos dos personagens. (foto abaixo) Apesar de falecido em 1989, com 61 anos de idade, o nome de seu criador Osamu Tezuka aparece como roteirista do longa. Também faz uma "figuração", sob a forma de caricatura, como um dos personagens anônimos do filme. Entre outros trabalhos que inspiraram animadores do mundo inteiro, foi ele quem criou Kimba o Leão Branco, mais tarde copiada pela Disney sob o título de O Rei Leão, jamais sendo creditado pela companhia americana.

Agora o personagem “Astro Boy” personifica uma procura de aceitação global pela indústria japonesa de animação. Reconhecida e reverenciada mundialmente, a obra chega ao cinema numa co-produção entre americanos, japoneses e chineses. O diretor, por sinal, é um inglês, David Bowers, o mesmo da animação “Por Água Abaixo”. Assim, a história e seu ritmo de desenvolvimento se aproximam muito do estilo ocidental, situados entre as linhas da Disney clássica e da moderna Pixar.

A primeira aproximação é com Wall-e, porque tudo acontece num mundo pós-apocalíptico em que a humanidade pode construir robôs perfeitos, mas ainda não sabe eliminar a poluição do planeta. E a segunda é com o clássico Pinóquio, porque Astro Boy é um robô construído por um cientista à imagem e semelhança do filho que perdera. A semelhança está inclusive na estrutura, porque, antes de tornar-se o herói da história, o protagonista passa um tempo "perdido" numa espécie de circo. Assim como acontecia com a criatura de Collodi popularizada por Walt Disney. O charme do roteiro é que o personagem julga ser um menino de carne e osso e, mesmo depois de descobrir a sua verdadeira origem, continua agindo como tal. O resto é pura ação, dosando humor e reflexões de ordem moral que tendem para universalidade.

Astro Boy
Gênero Animação
2009 - Hong Kong /Japão / EUA - 94 min
estreia 22/01/2010
Distribuição Paris Filmes
Direção David Bowers
Criação Osamu Tezuka

Em "Hanami – Cerejeiras em Flor", amor, morte e um inesperado misticismo

2010-01-20T11:45:00.000-08:00

Corra porque talvez ainda dê tempo para ver Hanami – Cerejeiras em Flor, da alemã Doris Dörrie (Hannover – 1955). Essa é uma pessoa notável, escritora de best-sellers de ficção, diretora de filmes premiados na Europa e ainda não conhecidos entre nós. Escreveu crítica de cinema enquanto estudava em Munique, fez pós-graduação em drama em Nova York e desde 2001 dirige óperas em Berlim. Este seu último trabalho quase levou o Urso de Ouro no Festival de Berlim e ganhou 7 outros prêmios internacionais. Trata-se de um drama que tem a ousadia de encarar de frente o tema da morte anunciada de uma pessoa com quem se divide a existência. Na casa dos 70 anos de idade e com os filhos já adultos, uma dona de casa recebe a notícia de o marido deverá morrer em breve. Sem lhe contar nada sobre isso, ela então o convence a viajar, para aproveitar do melhor modo possível o tempo que sobra.

Para não estragar a surpresa do espetáculo, isso é praticamente tudo o que se pode revelar sobre a história. Mas, cabe uma reflexão sobre os misteriosos caminhos do cinema, em sua capacidade de ligar universos culturais extremamente distantes. Navegando nas correntes do inconsciente coletivo, a história de Hanami – Cerejeiras em Flor faz uma ligação com o candomblé afro-brasileiro, religião que a antropologia classifica como fetichismo animista. Por meio da dança e da roupa que vestem no momento do culto, as “filhas de santo” incorporam as entidades sagradas. Um processo equivalente ocorre com os personagens do filme. Só vendo para acreditar.

Hanami – Cerejeiras em Flor
Kirschblüten – Hanami
2008 - Alemanha / França 127 min
Gênero drama
estréia 25/12/2009
Distribuição Filmes da Mostra
Direção Doris Dörrie
Com Elmar Wepper, Hannelore Elsner, Aya Irizuki

Chega aos cinemas paulistas "Praça Saens Peña", diretamente da Zona Norte carioca

2010-01-19T16:17:00.000-08:00

Praça Saens Peña” foi considerado pela crítica o destaque do último CinePE, Festival Áudio Visual de Recife, realizado em abril de 2009. Do júri, recebeu os prêmios de direção (para Vinicius Reis), de ator (Chico Diaz), atriz (Maria Padilha) e atriz coadjuvante (Isabella Meirelles). Mas perdeu o de melhor filme para “Alô, Alô Terezinha”, de Nelson Hoineff, numa passagem inesperadamente triunfal do gênero documentário. Um Homem de Moral, de Ricardo Dias, sobre a obra poético-musical de Paulo Vanzolini mereceu o Prêmio Especial do Júri.

E mesmo sendo de ficção, Praça Saens Peña apresenta fragmentos documentais em seu interior. Aos outros longas de ficção concorrentes coube apenas prêmios “de consolação”, ainda que justos: fotografia para o paranaense Mystérios e música para o baiano Estranhos. Mais que meramente distribuir troféus, portanto, o CinePE confirmou uma tendência que se manifesta atualmente na cinematografia brasileira: a ascensão desse estilo de narrativa cinematográfica definido pelo inglês John Grierson − um de seus primeiros teóricos − como “o tratamento criativo da realidade”. Mesmo como obra fictícia, Praça Saens Peña se debruça sobre a “realidade social” carioca. Focaliza a crise doméstica que afeta uma família de classe média residente na zona norte do Rio de Janeiro − no local que corresponde ao título do filme.
Um professor secundarista de literatura arranja um serviço extra e se descuida afetivamente da esposa. Ainda que banal e rotineiro, esse ponto de partida poderia render um drama familiar de interesse humano, se fosse mais elaborado, em termos de construção narrativa. O protagonista escreve um livro sobre a Tijuca e, talvez com o objetivo de ampliar a impressão de autenticidade, o roteiro interrompe o desenvolvimento da trama, para inserir discussões teóricas do personagem com seu editor. Mais adiante, a narrativa simplesmente estaciona para que ele possa entrevistar o compositor Aldir Blanc, um dos moradores ilustres do bairro, de modo excessivamente demorado.
O efeito dessa estrutura dramática entrecortada por intervenções “documentais” é, de certo modo, equivalente ao que acontecia nas chanchadas carnavalescas nas quais o desenrolar da história se interrompia para que a platéia assistisse a um número musical. Seria possível atribuir esse procedimento equivocado, do ponto de vista da fluência narrativa, a uma provável fascinação atual pelo documentário? Quem sabe...

A rigor um procedimento como este poderia até enriquecer uma obra, como ocorre em A Rainha (The Queen, Stephen Frears - 2006), em que a ficção se mistura de modo funcional a um abundante material de arquivo − ainda que de cinejornais e não de documentário. Outros exemplos notáveis de convivência entre documento e ficção no mesmo filme mostram soluções mais adequadas, ao situar o segmento documentário no encerramento, ou no início da matéria ficcional. É o caso do clássico Um Dia Muito Especial (Una Giornata Particolare, Ettore Scola – 1977) e do mais recente O Reino (The Kingdom, Peter Berg – 2007). De qualquer maneira, a trama de Praça Saens Peña se revela prosaica e mal costurada. Em seu desfecho, por exemplo, o filme termina como se ainda faltasse um pedaço para a conclusão, deixando para a voz de um personagem fora de cena enunciar a maneira como o conflito central se resolveu. Se nem a esposa e a filha do personagem principal suportam o tédio de conviver com ele, imagine-se a platéia...

Praça Saenz Peña
Brasil 2009
gênero comédia / drama / social
estréia 22/01/2009
Distribuição Filmes do Estação
Direção Vinicius Reis
Com Chico Diaz, Maria Padilha e Isabella Meirelles

Tom Hanks fez "A Mente que Mente" para o filho, mas John Malcovich roubou.

2010-01-13T14:28:00.000-08:00

John Malkovich está em excelente forma no papel de um mágico de palco em A Mente que Mente. Ele cria um personagem verdadeiramente cinematográfico, que foge aos estereótipos e transmite credibilidade. Mas a história mostra interesse reduzido e serve apenas de veículo para o novo astro Colin Hanks − por coincidência filho de Tom Hanks, que produz o filme e até faz um papel: justamente o do pai do protagonista. Colin (na foto abaixo, com Emily Blunt e Malcovich) interpreta um estudante de direito que larga a faculdade para se tornar escritor e, enquanto não consegue, trabalha como assessor do ilusionista. É um drama cômico bem ao gosto de Hollywood, em que um profissional em ascensão se cruza com outro em decadência e ambos desempenham algumas rotinas de gato e rato, um pouco na linha de “O Diabo veste Prada”.

Escrito pelo próprio diretor Sean McGinly, esse roteiro tem jeito de ser autobiográfico, e o mérito de exercitar um olhar crítico em relação ao show business americano, no qual o inegável profissionalismo nem sempre corresponde ao talento dos artistas. O alvo aqui são as celebridades de segundo escalão, como o mágico cuja página mais rica do currículo é ter aparecido 60 vezes no programa de Johnny Carson. O mais engraçado dessa comédia, porém, aparece como um inesperado coelho na cartola. Nesta produção feita para promover o jovem Hanks, que já trabalhou em mais de 25 filmes e ninguém notou, quem brilha de verdade, até por contraste, é o veterano Malkovich.

A MENTE QUE MENTE
The Great Buck Howard
estréia 15/01/2010
EUA - 2008 – 90 min.
Gênero Comédia / drama
Distribuição Europa Filmes
Direção Sean McGinly
Com John Malkovich, Colin Hanks,
Tom Hanks e Emily Blunt