Os filmes lançados no circuito comercial de SP na semana iniciada em 25 08 2016

Kristen Stewart e Jesse Eisenberg estrelam o novo filme de Woody Allen, "Café Society"

Já está em cartaz, finalmente, “Café Society” – o melhor filme que Woody Allen nos oferece nos últimos anos. Novamente o diretor se coloca no centro de seu próprio território. Com temas, histórias, personagens, ambientes, músicas e intérpretes com os quais ele prefere trabalhar. Exceção seja feita à cidade de Los Angeles, em particular à área de Hollywood, especificamente aquela situada nos anos de 1930. 

Cada vez mais identificado com o tipo físico do próprio Woody Allen, Jesse Eisenberg abandona a família em Nova York e se muda para a capital do cinema na Califórnia, em busca de trabalho como roteirista. Seu tio Steve Carellé é um agente artístico bem sucedido e a encantadora Kristen Stewart é uma secretária com quem ele se envolve. A história é pequena, mas suficiente para abrigar aelegância, a comicidade e o romantismo do diretor. 

 Emma Roberts e Dave Franco (foto) protagonizam "Nerve - Um Jogo Sem Regras"

Num lado diametralmente oposto ao charme passadistade Woody Allen, temos a frenética atualidade de “Nerve - Um Jogo Sem Regras” – um filme que trata do aqui e agora, tanto em termos de temática quanto de estilo. É uma aventura de suspense que gira em torno de um jogo de internet e desenvolvidano ritmo exato em que esse jogo acontece.

O filme é assustadoramente atual e dirigido por Ariel Schulman e Henry Joost– dois jovens realizadores que até então se dedicavam a dramas de horror, como por exemplo “Atividade Paranormal”. É estrelado por Emma Roberts, sobrinha de Julia Roberts, e Dave Franco, irmão de James Franco. Mas a grande estrela de “Nerve” é a linguagem cinematográfica adotada, que incorpora sem hesitarelementos da internet e com a velocidade da rede.

“Pets - A Vida Secretas dos Bichos” é um desenho animado verdadeiramente engraçado, sobre um grupo de animais urbanos que tenta montar um exército de bichinhos de estimação, um tanto desconsiderados por seus donos... Isso, com o objetivo de revanhe. Os realizadores são os mesmos responsáveis por filmes como “O Meu Malvado Favorito” e “Os Minions”. 

Águas Rasas é um filme de horror mediano, com direção do espanhol JaumeCollet-Serra, que fez o surpreendente “A Orfã”. A protagonista enfrenta um tubarão numa praia deserta.

Escrita e interpretada pela francesa Julie Delpy, “Lolo” é uma comédia em que uma elegante empresária de moda parisiense encontra um novo amor, apesar do filho adolescente fazer de tudo para estragar o namoro.

Após repercussão em Cannes, Aquarius finalmente chega aos cinemas

Cena de "Aquarius", novo longa do diretor de "O Som ao Redor"

Enfim estreia um dos filmes brasileiros que despertaram mais interesse e curiosidade nos últimos tempos. Trata-se do pernambucano Aquarius, de Kleber Mendonça Filho, que teve pré-estreia no último Festival de Cannes e lá promoveu um protesto político que chamou atenção. Mas isso só aconteceu, é claro, por causa do prestígio conquistado pelo seu trabalho anterior, que foi “O Som ao Redor”. 

O tema do novo filme prossegue sendo a violência e a ferocidade da especulação imobiliária na cidade de Recife – na qual ergue-se um novo arranha-céu a cada momento. E todos querem saber qual desses filmes tem mais qualidade. Este ou o já clássico “O Som ao Redor”... Os dois são bastante equilibrados, mas apresentam grandes diferenças entre eles. “Aquarius” é todo estruturado sobre a personagem de Sonia Braga, que surge como protagonista absoluta. Ou seja, uma figura que aparece em todas as cenas do filme. 

Viúva, jornalista aposentada e especializada em música, ela mora em plena praia da Boa Viagem no Recife, de frente para o mar, num prédio de dois andares e poucos apartamentos. O dela é o último que resta no edifício, porque todos os demais já foram vendidos para uma construtora que pretende erguer um espigão no local. Mas ela se recusa a vender o imóvel, pelo qual receberia a quantia de dois milhões. E a cada jogada da negociação se mostra mais firme, no que se assemelha a alguns heróis que protagonizam determinados filmes americanos. 

Há muito dinheiro em questão nessa história. A empresa interessada não tem escrúpulos e joga duro, mostrando-se disposta em transformar num inferno o cotidiano da heroína. Sem que isso seja um defeito do filme, porem, há certo desiquilíbrio entre as sequências de ação, nas quais ela enfrenta os seus oponentes, e as passagens mais intimistas em que ela contracena com os filhos e os amigos.

Sônia Braga é "Clara", protagonista absoluta do longa pernambucano

A personagem de Sonia Braga frequenta um baile, conhece um pretendente a namoro e vai à praia para caminhar e nadar. Nestas ocasiões, que provavelmente tem o objetivo de funcionar como interlúdios para amenizar a tensão crescente em Aquarius, Kleber Mendonça mostra o melhor de sua habilidade como diretor. Principalmente nas situações em que ela interage com os filhos e que são especialmente emocionantes. 

É bom lembrar que, em suma, Aquarius não se resume a um bang bang urbano e nem a um panfleto. Trata-se de um drama de elevada dimensão humana e que abarca em suas entranhas os mais doloridos conflitos nos quais se debatem a sua protagonista e toda a geração que ela representa. 

Labirinto de Mentiras, escolhido o melhor filme no Festival de Berlim de 2015

Trata-se de um docudrama histórico que nos conta como o povo e o estado democrático da Alemanha processaram os crimes praticados pelos nazistas durante a 2ª Guerra. Porque, até 1958, a maioria da população do país não tinha ideia das barbaridades praticadas nos campos de concentração.

Aos 50 anos de idade e tendo trabalhando como ator em 40 filmes e seriados na TV da Alemanha, o italiano Giulio Ricciarelli dirige Labirinto de Mentiras, o seu primeiro longa de ficção naquele país. Esse fato mostra que, atualmente na Europa, a indústria do audiovisual tende a ultrapassar as fronteiras nacionais. Este filme, aliás, coloca em discussão um episódio histórico que interessa a todos os países do planeta. A ação se passa em 1958, 13 anos portanto, após o fim da 2ª Guerra. Por incrível que isso possa parecer, àquela época o povo alemão ainda não tinha conhecimento pleno da totalidade dos crimes praticados nos campos de concentração. Evidentemente, os nazistas não evaporaram com a queda de Hitler, ou seja, eles simplesmente passaram a se comportar como se nada tivesse acontecido.

O filme narra como, um jovem promotor público de Frankfurt, montou um processo judicial condenando dezenas de militares que tinham trabalhado em campos de concentração, como Auschvitz. E só conseguiu isso atuando politicamente no Ministério da Justiça, que preferia não colocar os dedos naquela ferida ainda não cicatrizada.

Toda a ação se encontra concentrada na trajetória desse jovem promotor. Ele funciona como herói na narrativa que, na realidade, é fruto do amadurecimento da justiça e demais instituições da Alemanha como um todo. No entanto, todo o trabalho dele e demais promotores consistiu na individualização dos crimes cometidos no holocausto e que se achavam encobertos sob o véu generalizador da velha desculpa segundo a qual “todos os alemães aderiram ao nazismo” e os soldados “apenas cumpriam ordens superiores”.

Fugindo do maniqueísmo, o diretor Giulio Ricciarelli desenha o protagonista como um cidadão comum que atravessa o filme cheio de dúvidas em relação à sua própria força de vontade e em face do papel que a sua família teria desempenhado durante a guerra.

Mais que um documentário, "Awake - a Vida de Yogananda" é um ensaio sobre esse guru .

Quase 70 anos após a publicação do livro “Autobiografia de um Yogue”, a associação fundada por seu autor decidiu produzir um longa metragem sobre ele, o guru Paramahansa Yogananda. Ele morreu em 1952 depois de ter fundado a Self Realization Fellowship, isto é, a associação que financiou este “Awake”, ou seja, “Desperto”, e que resolveram deixar assim mesmo em inglês, com o subtítulo : “A Vida de Yogananda”.

 https://www.youtube.com/watch?v=oORHVf3cu8M  

O filme é mais diretamente indexado como documentário, porque descreve a trajetória desse sábio indiano com impressionante abundância de registros em matéria de fotos e filmes nos quais ele aparece ensinando o que se chamava de Kryia Yoga – uma modalidade de prática que também trabalha com exercícios físicos, no entanto, atribui mais importância à meditação e às técnicas de purificação do organismo. 

Na verdade, Yogananda se diferencia de outros mestres indianos por ocupar uma posição intermediária, entre todos esses que difundiram a sua doutrina no Ocidente. Não fundou uma linha devocional ou religiosa, como esta que é professada pelos Hare Krishna de Prabupada. E nem uma filosofia que se pratica com o corpo e com a mente, como fazem as escolas de Pattabhi Jois e Ayengar. Principalmente, preocupou-se em atribuir uma conotação quase ecumênica ao estabelecer pontes doutrinárias entre o cristianismo e o Yoga antigo bem como, entre a ciência moderna e a espiritualidade milenar. De certa maneira, ele abriu caminho para o que hoje se chama de física quântica. 

E não vacilava em estimular tanto o isolamento do eremita quanto o ativismo político. Ele que criticou o racismo nas leis americanas nos anos de 1930, foi para a Índia dar apoio ao Mahatma Ghandi em sua luta pela independência na década seguinte. (FOTO ACIMA) E tentou se comunicar em Hollywood com os artistas de cinema. Foi de artistas como George Harrison, bem mais tarde, que veio o apoio mais importante. Dirigido pela experiente documentarista Lisa Leeman, o filme alterna momentos de jornalismo histórico com explicações muito claras sobre o pensamento do protagonista. Principalmente coloca Yogananda em ação, tirando partido de uma impressionante presença física e da indescritível ambiguidade em seu olhar. E em sua voz, que se exprime num inglês esquisito – provavelmente parecido com aquele falado pelos soldados britânicos quando chegaram à Índia em meados do século XVIII. 

“Bem Casados” é realmente a melhor e mais engraçada comédia brasileira de 2015!

Como personagem central de “Bem Casados”, Alexandre Borges é um produtor e diretor de filmes. No entanto, ele não faz longas-metragens e nem comerciais. Filma casamentos, mas, além de documentar a cerimônia, ele precisa contar a história, ou seja, criar uma ficção em torno da festa. Em outras palavras, é exatamente isso o que filme de Aluizio Abranches está nos oferecendo. https://www.youtube.com/watch?v=0w8B0k-C_Sw
Abranches, dirigia filmes densos e complexos como “As Três Marias”, de 2002. Mas com esse “Bem Casados”, parece que ele não fez outra coisa no cinema do que comédias. Isso pela desenvoltura com que as sequencias se manifestam: aparentemente sem esforço algum por parte dos envolvidos nas filmagens. Aliás, a agitação frenética de algumas tomadas só permite que a montagem funcione se forem bem dirigidas. Cenas de intensa movimentação fazem da narrativa um vaudeville sem fim, mas com meio e começo.

A confusão começa quando o diretor do filme do casamento se envolve com a sua própria antagonista, isto é, uma pessoa decidida a impedir a realização da cerimônia. Essa é a personagem de Camila Morgado, numa das atuações mais eficientes e inspiradas do momento. Trata-se de uma figura tresloucada, vivendo uma espécie de alucinação como se fosse um projeto, que é o de impedir o casamento de seu amante. Mesmo assim, Camila consegue atribuir verdade e convicção a essa pessoa assim transtornada. E além de tudo fotografa como as divas do passado, obtendo sempre a melhor expressão para cada ângulo. Especialmente quando participam aqueles olhos azuis...

Alexandre Borges também acerta. Assim como o padre, a empregada, a assistente e especialmente a sogra magistralmente composta por Rosi Campos. A natural identificação entre o diretor do filme do casamento e o diretor do filme “Bem Casados” afasta de Aluísio Abranches o perigo de qualquer pretensão intelectual. E assim, junto com o elenco como um todo, ele pode se movimentar à vontade e fazer um bom cinema. Como aquele que faziam Jean Arthur, Cary Grant, Claudette Colbert e Clark Gable. Porque, na língua de Shakespeare, “to play” quer dizer interpretar. Mas também se traduz por jogar, interagir ou simplesmente brincar. 

Ainda em cartaz um dos melhores filmes de 2015: "A Ponte dos Espiões" de Spielberg

Numa lista oficial dos diretores mais bem sucedidos do ponto de vista financeiro, Steven Spilberg ocupa o primeiro posto. Entre 1990 e 2015, seus filmes renderam quase quatro bilhões de dólares. E o seu último trabalho, A Ponte dos Espiões prova que além de dinheiro, Spielberg sabe mesmo é fazer cinema. Pra início de conversa, ele contratou como roteiristas ninguém menos que os irmãos Coen, cineastas e autores de sucessos como “Fargo” e “Onde os Fracos não tem vez”.

(https://www.youtube.com/watch?v=xMKVLpAVjbw) 

Em 1957, portanto, no auge da Guerra Fria, um advogado americano vivido por Tom Hanks é intimado pelo governo a defender um acusado de espionagem – isto é, o lutar em favor do inimigo público número 01 daquele tempo. Aparentemente o filme serviria apenas para dizer que lá nos EUA tudo é feito para garantir os direitos civis, até mesmo os de bandidos estrangeiros. Mas Spielberg adota um ponto de vista mais profundo e faz A Ponte dos Espiões um comovente épico moral. Isto é, uma batalha em que diferentes modalidades éticas se digladiam.
Desenvolvida rigorosamente a partir de acontecimentos históricos, a narrativa se passa num momento dos mais nervosos da Guerra Fria, quando os soviéticos mandaram erguer na Alemanha Oriental uma barreira que ficou conhecida como o Muro de Berlim. O FBI descobriu e prendeu Rudolf Abel, um espião que trabalhava em Washington para a União Soviética. Foi uma operação que potencializou a crescente paranoia do povo americano quanto a proximidade de um conflito nuclear.

O governo do republicano Eisenhower decidiu processá-lo pelo crime de espionagem. No entanto, o seu julgamento deveria ser justo, ainda que todos os americanos quisessem vê-lo condenado. E o defensor do agente russo não deveria ser um advogado do estado, mas um particular, um profissional de carreira. Interpretado por Tom Hanks, o escolhido foi Jim Donovan, que levou a tarefa a sério e conseguiu evitar a pena de morte, sendo o réu condenado à prisão perpétua.

(https://www.youtube.com/watch?v=YjCyUGnnF7s )

O tema é semelhante ao de “Conspiração Americana”, que Robert Redford dirigiu em 2010, sobre o julgamento da dona da casa, onde morava assassino do Presidente Abraham Lincoln. Aparentemente, ambos os filmes fazem o elogio, mas apontam a fragilidade de um sistema político que procura respeitar os direitos individuais. Mas Spielberg foi mais a fundo e em sua segunda parte, o filme ganha uma estatura dramática mais elevada. O fato é que logo em seguida, um avião americano foi abatido numa missão de espionagem no leste europeu e o seu piloto Gary Powers capturado pelos soviéticos. A partir daí, o entrecho assume um rumo diferente e, assim, logo após a prisão e o julgamento de um agente soviético que atuava em Washington, o piloto americano Gary Powers, que voava em missão de espionagem, foi capturado no Leste europeu. 

Na primeira parte deste épico moral, o estoico e persistente advogado interpretado por Tom Hanks consegue salvar da cadeira elétrica o misterioso espião comunista Rudolf Abel -- magistralmente incorporado pelo ator inglês Mark Rylance (FOTO ACIMA), que já interpretou Leonardo da Vinci num seriado de TV. Agora no segundo ato, o advogado Tom Hanks é intimado a completar o serviço e coordenar o processo de troca do agente russo pelo piloto americano.
Depois de enfrentar os próprios integrantes da justiça americana, por não terem a menor boa vontade para com aquele funcionário da KGB que conspirava para lançar bombas atômicas sobre a América, o advogado precisa driblar a incompreensível e desumana burocracia comunista. Tratava-se não apenas de cumprir a missão que recebera de Washington, mas de fazê-lo em sigilo absoluto e sem, esperar qualquer compensação financeira.

(ABAIXO:A CONSTRUÇÃO DO MURO DE BERLIM)

Além de conduzir a narrativa com a simplicidade e a segurança de quem não precisa provar nada, nem ao público e muito menos aos críticos, o mérito maior de Spielberg foi desenhar o seu protagonista sem nenhum traço de heroísmo óbvio ou artificial. 

(ABAIXO, O DIRETOR NO SET DE FILMAGEM) 

Trata-se de um profissional capaz de vencer apenas por executar o seu trabalho de modo honesto e empenhado. Os Irmãos Coen demonstram a sua de habilidade como roteiristas, ao compor a inusitada personalidade do espião comunista vivido por Mark Rylance. Esse ator fez o papel de Leonardo da Vinci na TV e, talvez por coincidência, o espião é colocado como um pintor figurativo. É ele que avalia e qualifica o personagem do advogado Tom Hanks, por meio de palavras e também de um retrato: o mesmo que, aparece no cartaz do filme. O desenho não embeleza nem faz a caricatura do herói, apenas registra a as rugas e a tensão no rosto de alguém que não esconde os conflitos interiores e o medo que sente, mas que não se nega a agir.

Duas décadas depois do anunciado, estreia "Chatô" e acaba a novela

Hoje se encerra uma triste novela que há quase duas décadas vinha assombrando o cinema brasileiro. O lançamento de um filme nacional é sempre digno de alguma celebração. Até este, que tantos problemas proporcionou a esta sofrida comunidade de artistas trabalhadores que dependem do cinema e da qual o nosso cinema depende. Trata-se de Chatô - O Rei do Brasil. (FOTO ACIMA) 

https://www.youtube.com/watch?v=LkOnT0lS3rQ )

O projeto do filme foi aprovado pela Secretaria do Áudio Visual ainda no primeiro mandato do presidente FHC, iniciado em 1995. No 2º período da gestão de Francisco Weffort à frente do MinC, por volta de 1999, a prestação de contas do projeto Chatô foi recusada, por conter inúmeras irregularidades. Mas o produtor Guilherme Fontes continuava solicitando recursos e o escândalo resultante prejudicou todos os demais projetos de filmes em processo de captação. Ou seja, os empresários perderam momentaneamente a confiança necessária para prosseguir investindo em cinema. A Ancine ainda não fora criada, mas tudo isso está documentado.
Em 2008, ou seja 9 anos depois, a Agência Nacional do Cinema verificou que as irregularidades continuavam e a produtora de Fontes foi condenada pela Controladoria-Geral da União a devolver R$ 36,5 milhões ao Estado. Esse dinheiro não existia, é claro. Seis anos mais tarde, em novembro de 2014, o TCU condenou a produção a devolver R$ 66.267.732,48. Esse é o valor corrigido da captação original de R$ 8,6 milhões. Com as devidas multas, o débito subiu para R$ 71 milhões.
O filme portanto precisaria obter uma bilheteria de grandeza equivalente a “Tropa de Elite 2”, o que se mostra quase impossível. Principalmente porque Guilherme Fontes nega essa dívida e já não dispõe de recursos para promover esse lançamento e porque o filme adota a estética de uma comédia popular. Justamente num momento em que o mercado se acha sobrecarregado de produtos brasileiros concebidos nessa mesma linha. 

A estreia de Chatô - O Rei do Brasil está se beneficiando de uma audiência, digamos... cativa, formada por todos aqueles que acompanharam a trajetória do escândalo provocado pela sua produção, iniciada formalmente no primeiro mandato do presidente FHC. A coisa esquentou em 1999, quando as contas do filme se mostravam irregulares. E pegou fogo em 2008, quando a Controladoria-Geral da União determinou a devolução de R$ 36,5 milhões ao Estado. Para a conclusão do filme foi preciso o apoio de personalidades como Francis Ford Coppola. Nele vemos a trajetória de Assis Chateaubriand, fundador dos Diários Associados e do MASP. Chatô é interpretado por Marco Ricca e seu adversário político Getulio Vargas é o papel de Paulo Betti. (FOTO ABAIXO) O elenco é enriquecido por grandes atrizes como Leticia Sabatella, Andrea Beltrão e Eliane Giardini.
O roteiro evita a seriedade do livro de Fernando Morais e constrói uma espécie de farsa em torno dessas figuras históricas. No meio do filme, por exemplo, acontece um julgamento simbólico do protagonista, como se ele estivesse num programa de TV conduzido pelo apresentador Abelardo Chacrinha. E todas as suas aparições seguem essa mesma tonalidade feérica e circense que lembra os estilos de Joaquim Pedro em “Macunaima” e de Rogério Sganzerla em “O Bandido da Luz Vermelha”. Isso, aliás, é uma qualidade do filme que, dessa forma, se faz mais acessível às plateias, que foram pensadas para ser grandes.
Ou seja, brincar com a história não é pecado, como prova o próprio cinema de Glauber Rocha. Mas há inconsistências de roteiro como a construção do personagem Getúlio Vargas que permanece inalterado de 1930 a 1954, física e dramaticamente. É preciso certa ginástica mental para reconhecer alguns personagens, como o braço direito de Chatô, que parece uma fusão dos jornalistas Carlos Lacerda e Samuel Wainer. E para entender a cena do suicídio de Getúlio, em que vemos mãos enluvadas auxiliando o presidente a empunhar o revólver. O filme está querendo dizer que Getúlio foi assassinado? De resto, Chatô - O Rei do Brasil é divertido, traz informações importantes sobre a nossa história e merece ser visto. Até porque ganhou súbita atualidade com o mar de lama que agora atravessamos.